Sarò disposto a commemorare la Giornata della Memoria quando la comunità internazionale riconoscerà, e chiederà di commemorare nello stesso modo, la Nakba.

Nella Nakba – 15 maggio 1948 – si commemora il giorno in cui gli Ebrei, facendo strame del diritto internazionale, cacciarono il popolo Palestinese dalla sua terra, nella quale viveva da secoli. Al suo posto venne fondato lo Stato di Israele.

Nel febbraio del 2010, la Knesset, il parlamento israeliano, ha promulgato una legge che proibisce ai palestinesi ancora residenti nel suo territorio di manifestare pubblicamente lutto e dolore in quel giorno.

Non per razzismo, né per antisemitismo: infamie che ignoro e che mi sono estranee.

SOLO PER GIUSTIZIA.

“Il cinema americano ha successo perché loro fanno bene i film. Noi facciamo bene la pizza”

R. Benigni

“Il cinema italiano è deprimente”

Q. Tarantino

“Un qualsiasi stupido film americano contiene sempre un insegnamento, a differenza di un qualsiasi artistico film inglese”

L. Wittgenstein

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Sabato 21 gennaio

Salvador (O. Stone, USA, 1986), 14.00, DT

Un giornalista fallito e disilluso capita nel Salvador, dove sperimenta di persona l’orrore della guerra civile e le criminali responsabilità USA nel sostegno ai regimi fascisti centroamericani. Uno dei migliori film di Stone, una storia bella, forte e dura, senza sconti e senza retorica, e una rara occasione per rivedere ed amare il folletto triste di John Belushi.

La città verrà distrutta all’alba (B. Eisner, USA/EAU, 2010), 23.05, Sky

Un aereo militare con una nuova e pericolosa variante della rabbia precipita vicino ad una cittadina inquinando le sorgenti dell’acqua potabile, e trasformando in breve tutta la popolazione in una banda di assassini spietati e feroci. Dopo una buona partenza, purtroppo quasi subito il film vira nel filone zombies-verdastri-e-con-le-pustole-affamati-di-carne-umana. Tra l’altro non si capisce perché la rabbia debba far venire le pustole e la pelle verde. L’ennesimo remake che non si doveva fare, considerando che l’originale era il cupo e disperato capolavoro di quel genio di G.A. Romero (1973). Praticamente invedibile.

Domenica 22 gennaio

Lontano dal paradiso (T. Haynes, USA, 2002), 18.40, DT

L’ipocrita, stupida e feroce perfezione della vita piccolo-borghese di Kathy si spezza quando il marito, dirigente d’industria e ‘uomo a posto’ le svela la propria omosessualità. Kathy non condanna, ma cerca amicizia e trova affinità elettiva col giardiniere di colore, un ‘delitto’, questo, se possibile ancor più inammissibile nella stolida società bianca di una cittadina del Connetticut degli anni Cinquanta. Il marito seguirà la sua strada, e Kathy rimarrà a metà, sospesa, indecisa e forse incapace di spezzare anche lei le barriere che la separano dal suo personale paradiso. Film di rara bellezza e raffinatezza, pudicamente ed elegantemente recitato, FFH è sì un melodramma, ma anche un piccolo gioiello, che non si risolve nella formalità, ma ci consente di meditare sulla nostra ‘autenticità’ e, non ultimo, ci induce a riflettere sui risvolti segreti del sogno americano. Il tutto servito da una fotografia davvero unica, e da uno studio dei colori incantevole. Assolutamente imperdibile.

Lunedì 23 gennaio

Dillinger è morto (M. Ferreri, Italia, 1969), 24.00, DT

Ennesimo gelido capolavoro di Ferreri sull’alienazione, rivoluzionario nel ’69, attualissimo ancor oggi. Il cinema di genio non passa mai di moda. Michel Piccoli, grandissimo come sempre, è un designer industriale, ormai svuotato di umanità, alieno e inutile come gli oggetti che disegna (e come il corpo del cuoco che verrà gettato a mare). In quella inutilità senz’anima egli compone e celebra la propria fine, con un’omicidio senza ‘giustificazione’ ed una fuga senza reale obiettivo. Assolutissimamente imperdibile, come tutti i film di Ferreri.

Fuga da Alcatraz (D. Siegel, USA, 1979), 23.15, Rete4

Del grande Don Siegel, questo film più volte visto ma sempre imperdibile su un gruppo di ergastolani che non si fanno spezzare dalla ferocia e dalla disumanità del carcere, riuscendo invece a progettare una fuga apparentemente impossibile. Eccezionale Clint Eastwood, del resto come sempre.

Buried (R. Cortés, Spagna, 2010), 21.15, DT

Paul Conroy è un contractor americano in Irak. Fa il camionista, trasporta rifornimenti, armi, non sa neppure lui bene cosa. Un giorno il suo convoglio viene attaccato, i suoi compagni uccisi, lui colpito da una sassata alla testa. Quando si risveglia è sotto terra, chiuso in una bara di legno. Ha un coltello, due luci chimiche, una pila, un accendino Zippo, un cellulare. Attraverso il telefono gli insorti irakeni che l’hanno catturato si fanno vivi. Deve cercare di procurare un riscatto di cinque milioni di dollari entro due ore, altrimenti verrà lasciato a morire lì. Paul comincia un’allucinante ricerca di aiuto e di contatto col mondo: la ditta che l’ha assunto, l’FBI, il Dipartimento di Stato, la vecchia madre malata di Alzheimer, la moglie. I minuti passano, mentre lui si sente sempre più isolato e trascurato, rotellina insignificante di una macchina infinitamente più grande di lui, inutile granellino di sabbia, come quella che sta filtrando attraverso le assi, e che poco a poco lo sta soffocando. Non ha molto tempo per trovare il modo di sopravvivere. Buried è un film apparentemente ‘geniale’, che invece si sgonfia subito, dopo pochi minuti, paradossalmente proprio a causa della ‘eccezionalità’ della situazione immaginata. Capiamo tutti immediatamente che due sono le soluzioni possibili: o un happy end, e la sua resurrezione, o un bad end, e la sua orribile morte. Si tratta solo di lasciar passare il tempo, e vedere quale delle due il regista abbia scelto. E il tempo passa, lentamente, con un occhio alla schermo, su cui non succede niente, ed uno all’orologio, sapendo che man mano che le lancette girano inevitabilmente vedremo il coup de théatre che finalmente venga a risolvere la situazione. Tutti i tentativi di trasformare Paul in un ‘simbolo’, quello dell’uomo qualunque vittima di un ingranaggio che lo schiaccia e lo ignora, si risolvono in frasi fatte – “Sono solo un uomo, sono venuto qui per lavorare, per aiutare la mia famiglia” – in un temino scontato e diligentemente svolto, ma noioso e banale. Buried è un film fallito per presunzione, quella di chi ha pensato che bastasse portare al limite una situazione per renderla eccezionale, dimenticando che spesso proprio la ricerca dell’insolito a tutti i costi può portare proprio al risultato opposto, quello dell’ovvio più scontato. Un esordiente che speriamo resti tale, se questa è la sua idea di cinema, un brutto film anzi peggio: un film desolantemente inutile.

Martedì 24 gennaio

Factotum (B. Hamer,Germania / Norvegia / USA, 2005), 00.40, DT

Molti conoscono Charles Bukowski (1920-1994), che nelle sue opere descrive, con linguaggio crudo ma efficace, la vita degli emarginati nelle grandi città americane. Da uno dei suoi romanzi è tratto questo bellissimo film. Il protagonista – chiaramente lo scrittore stesso, i cui romanzi e novelle costituiscono un’unica autobiografia – è uno scrittore che, per mantenersi, passa da un lavoro all’altro, perdendoli tutti, sia per la sua insofferenza ad ogni regola sia per la sua ‘passione’ per l’alcol e le donne. Tuttavia ciò non genera in lui alcuna reazione ribellistica, antisociale o distruttiva. Chinaski – così si chiama il personaggio – attraversa rifiuti e fallimenti con dolente sopportazione, quasi conscio che ‘così dev’essere’. Non c’è rabbia, in Chinaski, ma solo un’assoluta estraneità ad un mondo il cui ordine e le cui regole gli sono, non tanto nemiche, quanto semplicemente incomprensibili. C’è invece, in lui, l’immenso ed umile coraggio dei perdenti, di coloro che hanno ‘scelto’ una vita ai margini, e non se ne lamentano, ma anzi di quell’esistenza fanno un punto d’osservazione specialissimo ed esclusivo per cercare la verità. Non c’è una trama precisa, in questo film, come del resto non c’è nel romanzo da cui è tratto e in genere nelle opere di Bukowski. Vi sono solo momenti, giorni, sequenze di esistenza, una dietro l’altra, tutte apparentemente uguali, tutte nella sostanza diverse, perché da ognuna Chinaski ricava una scintilla di vita e di dolore, ma anche, a suo modo di felicità. Ogni tanto si ferma, per l’urgenza insopprimibile di tradurre su carta la sua vita, le vite e le storie che ha incontrato. Spedisce le sue pagine agli editori, ma poi riparte, senza nemmeno curarsi di verificare se siano state accettate o meno. Scrivere per lui non è tanto una professione, quanto, oserei dire, una missione: quella di testimoniare la straziante vitalità sua e del suo mondo. Hamer racconta questa esperienza con delicata tenerezza, ed intimo rispetto, inframmezzando quei brevi flash di vita con brani dalle opere di Bukowski stesso. Matt Dillon lo coadiuva in quest’opera con una recitazione al di sopra di qualsiasi lode, anticipando la grandissima prova che darà di lì a poco nello splendido Crash di Paul Haggis (2005). Sua degna compagna la bravissima Lily Taylor, donna allo sbando, che Chinaski incontra, prende, lascia, riprende per poi lasciare definitivamente. Non per disamore – che anzi li unisce un’affinità intima e fortissima – quanto per l’impossibilità di fermarsi, per il bisogno di andare e andare attraverso la vita. Film minimalista, ma, come accade spesso a questo genere di films – vedi il magico Bubble (Steven Soderbergh, 2005) – assolutamente essenziale, intimamente poetico, profondamente ‘vero’, Factotum è un capolavoro da riscoprire, dopo il suo troppo veloce passaggio nelle sale di qualche mese fa, ed è anche il primo film che, finalmente, renda giustizia all’arte di Bukowski, che dell’orribile Storie di ordinaria follia (Marco Ferreri, 1984) disse semplicemente: “Questo film buttatelo nel cesso”. Può essere anche un’occasione per riscoprire le opere di Bukowski, Virgilio alcolizzato nell’inferno dell’emarginazione e del rifiuto: l’unico, assieme ai grandissimi Jack Kerouac e Ferdinand Céline – i soli Santi laici della letteratura del Novecento – che abbia saputo cantarne la tragica bellezza.

Codice Swordfish (D. Sena, USA, 2001), 11.35, DT

Bell’action movie di argomento informatico (come arricchire grazie ad un bravissimo hacker), il cui punto di forza è un nudo integrale di Halle Berry: vale la pena solo per quello. John Travolta comunque sempre bravo nei ruoli di cattivo.

Hud il selvaggio (M. Ritt, USA, 1963), 21.00, DT

Assente da sempre dai palinsesti questo stupendo film che racconta la vicenda di Hud, cowboy arrogante, violento ed amorale, in contrapposizione al padre Homer, uomo ‘d’altri tempi’, impregnato di valori elementari ed essenziali, al giovane nipote Lonnie, diviso tra l’attrazione per l’integrità morale del nonno e il fascino dannato dello zio, ed alla governante Alma, assolutamente disincantata di fronte ai “bastardi dal cuore freddo” come Hud. ‘Grazie’ alla sua amoralità, quest’ultimo conquisterà i beni terreni, ma perderà definitivamente il cuore dei suoi simili. Splendido dramma shakespeariano, magnificamente interpretato e raccontato in un bianconero semplicemente prodigioso. Ebbe tre Oscar, e ne avrebbe meritati anche di più. Assolutissimamente imperdibile.

Mercoledì 25 gennaio

Lolita (S. Kubrick, GB, 1962), 23.45, Rete4

Sinceramente, non ho mai capito cosa renda questo film – oltretutto mortalmente noioso, banale e ‘borghese’ – una ‘opera d’arte’ e non un incitamento alla pedofilia. Identico discorso vale per il romanzo di V. Nabokov da cui è tratto, che anzi è ancor più ‘esplicito’ e malato.

Abandon (S. Gaghan, USA, 2002), 23.00, DT

Un’ambiziosa studentessa universitaria, che nell’infanzia era stata abbandonata dal padre, viene lasciata anche dal brillantissimo boy friend. Il quale però ricompare all’improvviso, occhieggiando dietro gli angoli, e lei chiede aiuto ad un seducente e dolcissimo poliziotto. Giallo noiosissimo, che solo negli ultimi cinque minuti – e molto disonestamente – svela il suo coté psicologico. Katie Holmes deve ringraziare tutti gli Dei dell’Olimpo che Tom Cruise se la sia tirata in casa, altrimenti non la farebbero recitare neanche nelle pubblicità dello sciroppo d’acero.

La morte ti fa bella (R. Zemeckis, USA, 1992), 23.15, DT

Ossessionate dal problema di rimanere belle, due amiche acquistano da una fattucchiera un filtro speciale, che garantisce l’immortalità. Ma il diavolo insegna a fare le pentole eccetera. Irriconoscibile lo Zemeckis brillante, frizzante e ironico di Ritorno al Futuro in questa storia banale e noiosa, che si regge solo per gli effetti speciali, allora mirabolanti, ma oggi francamente noiosi anche quelli. Goldie Hawn sarà anche oca ma è sempre un bel bocconcino; Meryl Streep è sempre eccitante (ed espressiva) come un igloo.

Custer eroe del West (R. Siodmak, USA, 1968), 16.35, Sky

Premesso che, come tutti sanno, amo il cinema americano ed anche la loro cultura, non ricordo più chi abbia scritto che solo il popolo americano è riuscito a trasformare il più grande genocidio della Storia in un’epopea: sarebbe come se i tedeschi facessero dei film sui lager con le SS buone ed eroiche e gli ebrei cattivi da sterminare. Che poi, addirittura nel ’68, si facesse un film in cui si eleva ad “eroe” un razzista assassino come Custer, è uno dei miracoli della sfacciataggine. Ma del resto, il pazzo assassino di Bush, non è forse andato in Irak ad “esportare la democrazia”?

Giovedì 26 gennaio

Basic instinct 2 (M. Caton-Jones, USA, 2006), 14.05, DT

Un film che batte ogni record: più volgare del primo, più stupido del primo, più noioso del primo. Questa volta la Stone (che dedica il film al suo chirurgo plastico: se quelle tette non sono rifatte io sono un trans) è una scrittrice di gialli che vive a Londra, dove scrive e chiava, chiava e scrive, chiava e chiava (se lo sapevo che andava così, facevo lo scrittore anch’io), mentre attorno a lei i morti si sprecano. Ma un fascinoso (?!) analista, travolta da insana passione per lei, cerca di sedurla. Come andrà a finire? Invedibile.

Exodus (O. Preminger, USA, 1960), 21.00, DT

La storia, abbondantemente romanzata ed insopportabilmente zuccherata, della nave Exodus, che nel 1947 trasportò da Cipro alla Palestina un carico di profughi ebrei. Trama in sintesi: ebrei buoni in cerca della Terra Promessa (ancora! Che palle!), Palestinesi selvaggi e cattivi. Ignobile pamphlet sionista, ennesima menzogna a nascondere la realtà storica, quella di un’etnia minoritaria, quella ebraica, che con la barbarie e la violenza derubò un popolo, quello Palestinese, della terra che occupava da secoli. Da allora, la Palestina attende ancora verità e giustizia (http://giulianolapostata.wordpress.com/2011/12/30/gilbert-sinoue-la-terra-dei-gelsomini-neri-pozza-editore-2011-traduzione-di-giuliano-cora/).

Venerdì 27 gennaio

Amen (Costa-Gavras, Francia, 2002), 21.00, DT

Uno dei migliori film di Costa-Gavras – per valore etico, rigore narrativo, concisione narrativa – tratto dal dramma Il Vicario di R. Hochut (1963), che per la prima volta demolì il ‘mito’ cattolico di Pio XII difensore degli Ebrei contro il nazismo, e che per questa ragione da allora è oggetto in Italia, nota enclave del Vaticano, di un feroce ostracismo. Assolutamente imperdibile, tanto più ora che una recente fiction televisiva (“Sotto il cielo di Roma”, 2010) ha tentato di riproporre quella menzogna (http://www.google.it/#sclient=psy-ab&hl=it&site=&source=hp&q=pio+XII+fiction+tv&psj=1&oq=pio+XII+fiction+tv&aq=f&aqi=&aql=&gs_sm=e&gs_upl=1812l6718l0l6953l18l16l0l3l3l4l1437l14031l6-1.12l13l0&bav=on.2,or.r_gc.r_pw.,cf.osb&fp=ea5e4f4cda89baa7&biw=800&bih=392).

Le avventure del Barone di Munchausen (T. Gilliam, GB/RFT, 1989), 21.15, DT

Splendido e dimenticato film di Gilliam, geniale come sempre e perfettamente a suo agio in questo genere di storie, che rende con incredibile senso del fantastico e del meraviglioso le avventure del celeberrimo Barone. Semplicemente prodigiosi gli effetti speciali: e allora la computer grafica non si sapeva nemmeno cosa fosse. Imperdibile.

Di tutte le opere di Le Braz, la più famosa è probabilmente “La légende de la mort chez le bretons armoricains”, pubblicata intorno al 1920 (in lingua bretone l’Armor è la costa, da cui l’appellativo di Penisola Armoricana con cui viene a volte chiamata la Bretagna). In quest’opera vastissima (circa quattrocento pagine) egli raccoglie, dividendoli per temi, innumerevoli usi e costumi dei bretoni della costa riguardanti l’Aldilà. Due osservazioni, almeno, meritano di essere fatte a proposito di questa bellissima raccolta. La prima riguarda il concetto di ‘superstizione’, perché infatti, secondo il punto di vista moderno, illuminista, razionalista, quelle raccolte da Le Braz altro non sono che, appunto, superstizioni, nel senso più deteriore del termine, e senza dubbio v’è chi si rallegra che i Lumi del Progresso e della Mondializzazione le abbiano quasi completamente sradicate anche dalle lande bretoni. E tuttavia, mai come qui si comprende il vero significato del termine ‘superstizione’: ‘superstizione’ è quod superest, ‘ciò che resta, ciò che rimane’ dell’antica cultura celtica della Bretagna, dei suoi Dèi, di quel suo passato favoloso che la cristianizzazione ha solo travestito, ma non è riuscita a cancellare. E allora, lungi dall’essere inutili frammenti di tempi barbari, queste storie diventano flebili voci che la Bretagna favolosa e pagana ancora manda al nostro presente, e noi ci chiniamo su di esse con rispetto e commozione. L’altra osservazione riguarda l’atteggiamento con cui Le Braz presenta il suo materiale: che è senz’altro quello dell’etnologo attento e sistematico – dello scienziato, appunto – ma è sempre anche, al contempo, quello del devoto e nostalgico cantore della propria terra e del proprio passato. Questi due atteggiamenti non saranno mai disgiunti, nella sua opera, e ne costituiscono uno dei principali elementi di fascino.

Le  restanti opere di Le Braz possono essere suddivise, grosso modo, in due gruppi. Uno è quello delle opere di tipo, diciamo così, strettamente etnologico, ovverosia quelle in cui egli raccoglie, sistema e collaziona, si può dire, materiali orali della tradizione popolare; in questo tipo, il suo intervento è ridotto al minimo, quando non è addirittura assente, limitandosi a null’altro, molto spesso, che alla pura e semplice trascrizione dei testi e delle testimonianze. Si tratta di opere solo apparentemente aride e noiose, ma che invece possiedono pienamente – come sa chiunque pratichi l’antropologia, sia pure da semplice ‘dilettante’, com’è il mio caso – un intenso profumo di realtà ed una grande potenza emozionale. Potremmo invece definire l’altro gruppo di opere quello più strettamente letterario. Qui l’intervento di Le Braz è patente e forte. Si tratta quasi sempre di riscritture, resoconti, rielaborazioni di materiali peraltro sempre originali, ai quali egli conferisce la struttura e la dimensione del racconto. Il mio amore per Le Braz è nato proprio da questo tipo di testi, perché qui sì, veramente, balza dalla pagina il Le Braz vero, autentico, il cantore appassionato della sua terra e della sua gente, il bardo, che canta e rimpiange un mondo che è stato e che ormai non è quasi più, e di cui egli raccoglie e custodisce con amore e devozione le ultime scintille. Qui, ancora, si svela, dopo il Le Braz scienziato, lo scrittore, ed è allora uno scrittore che io non esito a definire uno dei maggiori dell’Ottocento francese, dalla potenza descrittiva eccezionale, quale di rado ci è accaduto di incontrare.

Quando e perché, Le Braz è un grande scrittore? Lo è, prima di tutto, quando descrive la sua terra. Più che l’espressione ‘grande scrittore’, potrei usare quella di ‘grande descrittore’. Ma attenzione, però: le sue non sono mai descrizioni fine a se stesse, oggettive, da guida turistica; e neppure vuotamente estetizzanti. Il suo è tutt’altro che un semplice ‘descrivere’ la natura: egli la ‘celebra’. Quando descrive un bosco, una brughiera, il mare, Le Braz si trasfigura: da semplice osservatore e traspositore di immagini e di sensazioni, egli diventa, come ho detto, un bardo, vorrei dire un druido, che, lungi dal limitarsi a riportare colori e figure, canta la magia animata ed animistica della natura, e ne celebra paganamente il culto. A questo registro rispondono, sempre, tutte le sue pagine di descrizione, e di tale registro egli pare essere, qualche volta addirittura cosciente. Pagine che fanno davvero pensare che la cristianizzazione sia stata, per lo spirito bretone, poco più che una vernice. Una splendida vernice, senz’altro, che si è meravigliosamente amalgamata col sostrato generando nuove, complesse e magiche figure; ma comunque una vernice, che di quel sostrato non ha potuto minimamente alterare l’anima originaria, precristiana e preromana: quell’anima celtica che popolava di spiriti ogni pianta ed ogni fonte. E non solo Le Braz è grande e particolare descrittore, ma anche grande narratore. Eccezionale è, infatti, la sua capacità di ‘costruire’ la storia, di dosarne gli elementi e di legarli tra loro fino a creare macchine narrative perfette, che prendono, rapiscono e soddisfano, non solo il cuore, ma anche la mente.

La prima, e per ora unica, traduzione del corpus narrativo di Anatole Le Braz apparsa in italiano è un’antologia da me tradotta e curata per l’Editore Neri Pozza nel marzo del 2000, dal titolo “Il bastardo del Re”. Nel 2003 l’Editore Sellerio ha pubblicato un’antologia di suoi materiali più strettamente antropologici.

“Il cinema americano ha successo perché loro fanno bene i film. Noi facciamo bene la pizza”

R. Benigni

“Il cinema italiano è deprimente”

Q. Tarantino

“Un qualsiasi stupido film americano contiene sempre un insegnamento, a differenza di un qualsiasi artistico film inglese”

L. Wittgenstein

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Sabato 14 gennaio

Mars attacks! (T. Burton, USA, 1996), 21.15, DT

Ad un genio come Tim Burton si può perdonare tutto, e quindi passiamogli anche questa scemenza, anche se, a dire il vero, la lista delle sue ciofeche è pericolosamente lunga: il pessimo remake del Pianeta delle scimmie (2001), Sweeney Todd (2007), Alice (2010) … Mah, vedremo come andrà a finire. Qui c’è un’orda di marzianini brutti e cattivi che invade la terra. I politici si tormentano inutilmente per decidere come combatterli, ma sarà una vecchia nonna a trovare l’arma finale. Ispirato ai personaggi di una serie di figurine popolare in America e sconosciuta da noi, profonde a piene mani un’ironia che lascia quasi del tutto indifferenti, forse proprio per l’eccessiva ‘distanza’ culturale. Da dimenticare.

In the electric mist (B. Tavernier, USA/Francia, 2008), 22.40, Sky

Sono così tanti i film ambientati in tutto o in parte in Louisiana che ci mancherebbe lo spazio anche solo per un elenco sommario. Possiamo citarne solo qualcuno, a cominciare dal magnifico Un tram che si chiama desiderio (E. Kazan, USA, 1951), proseguendo con Angel heart, il capolavoro di A. Parker (USA, 1987) e col bellissimo Il cattivo tenente (W. Herzog, USA, 2009), senza dimenticare il delicato e poetico A love song for Bobby Long (S. Gabel, USA, 2004) o il grande poema libertario Easy rider (D. Hopper, USA, 1969) Tutti risentono del fascino e del ‘clima’ particolare di questa terra ambigua, in cui la natura stessa non è mai esattamente una cosa o l’altra e terra e mare si confondono, in cui la cultura francese ed anglosassone convivono e si compenetrano senza mescolarsi, a fianco di quella degli ex schiavi neri, con la sua magia voodoo, e di quella amerindia (gli indiani Seminole, attori nell’Ottocento di feroci guerre coi bianchi, sono l’unica tribù che non abbia mai firmato un trattato di pace col Governo americano). Sarebbe stato bello che Tavernier, prima di girare questo film, se li fosse almeno rivisti, così ci avrebbe risparmiato un film brutto e noioso come questo, che sfigura pesantemente in una filmografia che pure vanta titoli di qualità (per nominarne uno solo, Che la festa cominci – Francia, 1975 – grande affresco etico-storico sull’Ancien Régime, prima della catastrofe rivoluzionaria). Già è difficile districarsi nella storia, e forse non è un caso che ad adattare per lo schermo il romanzo In The Electric Mist with Confederate Dead (1999), del texano James Lee Burke, siano stati Jerzy Kromolowski e Mary Olson, coautori del pesantissimo La promessa (S. Penn, USA, 2001). A New Iberia, in Louisiana appunto, il detective Dave Robicheaux sta indagando sulla morte di una giovane prostituta, barbaramente seviziata e poi uccisa. Ma i sentieri di Robicheaux si biforcano subito e più volte, quando nell’indagine entrano il cadavere di un ‘negro’ ammazzato dai bianchi quarant’anni prima (ed alla cui morte il detective ha assistito da bambino), un attore alcolizzato che sta girando un film sulla guerra di Secessione, il finanziatore del film, un boss corrotto e maniaco sessuale legato alla criminalità locale e un altro cadavere straziato di un’altra giovane donna: A ciò si aggiunge il passato da alcolista di Dave e gli incubi che ancora lo tormentano: il fantasma del Generale Confederato John Bell Hood, che gli appare guidandolo nella sua ricerca. Tanta, troppa carne al fuoco, ma la cucina è indigesta e pesante. Il film procede faticosamente e senza un’autentica ‘necessità’ narrativa: va così, ma potrebbe andare colà e ancora colà. Si aspetta imbarazzati una conclusione che non arriva mai, e che quando arriva è confusa e imprecisa come tutto il resto della pellicola. Né valgono a chiarirci le idee – anzi, spesso che le confondono ancor di più – i vari sproloqui pseudofilosofici, pseudomoralistici, pseudoletterari, che la voce narrante dello stesso Robicheaux o il Generale Hood spesso ci ammanniscono. Anche la Louisiana par essere lì per caso. Potremmo essere da un’altra parte, e nessuno se ne accorgerebbe, ed anche i richiami alle devastazioni dell’uragano Katrina appaiono falsi, calati dall’alto, quasi ‘indicazioni di lettura’ estranee alla vicenda. Un ‘estraneo’ è anche Tommy Lee Jones, altrove grande e sensibile attore: troppo ‘buono’, troppo tormentato, troppo di tutto. Attorno a lui, un cast di nullità, che si dimenticano un minuto dopo aver spento il lettore DVD. Francamente, un film inutile.

Starship troopers (P. Verhoeven, USA, 1997), 21.00, Sky

Mentre la Terra è dominata da una dittatura militarista e fascista, che concede lo status di Cittadino solo a chi abbia effettuato il servizio militare, viene attaccata da una specie aliena di mostruosi insetti pensanti, e la ‘meglio gioventù’ si arruola per difendere i Valori. Un film, paradossalmente, da far vedere a scuola come perfetta lezione di antifascismo, tanto limpidamente sono in esso disegnati gli stereotipi culturali del fascismo: maschilismo, razzismo, disprezzo e demonizzazione del nemico, esaltazione della forza, militarismo. Troppo perfetto, appunto, perché non fosse questa l’intenzione del regista. Assolutissimamente imperdibile.

Domenica 15 gennaio

Mary Reilly (S. Frears, USA, 1996), 23.45, Rete4

Ennesima versione dello Strano caso del Dottor Jekyll e del Signor Hyde (1886) di R.L. Stevenson, forse non un ‘capolavoro’ nel senso strettamente letterario del termine, ma certamente uno dei grandi libri dell’umanità, per la sconvolgente e conturbante trattazione del tema pascaliano dell’uomo Angelo e Bestia. Qui, con un’idea ed uno spostamento in teoria davvero originali, la vicenda viene raccontata dal punto di vista di Mary, la cameriera del Dottor Jekyll, ma il risultato è, purtroppo, una grossa delusione. Una bellissima confezione senza niente dentro, una splendida scatola vuota. Eppure tutto era perfetto. L’ambientazione, davvero elegante e raffinata. I volti e le ‘situazioni’ dei domestici. La recitazione del grandissimo John Malkovic. Perfino Julia Roberts, la rana-dalla-bocca-larga, questa volta è incredibilmente riuscita a recitare, facendo qualcos’altro oltre al solito sbattere gli occhioni e sorridere a sessantaquattro denti. Tutto bello, ma dentro non c’è niente. Nessun approfondimento del mito del doppio, nessuna nuova ‘risposta’ all’eterno dilemma del bene e del male, nessuno spunto di riflessione, niente di niente. Un puro e semplice esercizio calligrafico. Per cui, anche quella bottina finale di effetti speciali (già visti: L’avvocato del diavolo), col ‘mostro’ che tenta di uscire dal corpo, è davvero un inutile sfoggio di bravura. Senza contare l’assurdo grottesco della cameriera, appena uscita dai bassifondi, che di punto in bianco si mette a filosofare col padrone (“Io non credo che esistano azioni senza conseguenze”). Una vera occasione sprecata.

The Body (J. McCord, USA/Israele, 2001), 21.00, DT

Cazzatina fantascientifico-religiosa costruita sulla scoperta, in uno scavo archeologico a Gerusalemme di un corpo che potrebbe essere quello di Gesù: un’archeologa israeliana ed un emissario del Vaticano si battono per confermare ciascuno la propria ‘verità’. Sarebbe da ignorare, se non fosse da segnalare per la stupida e veramente fuori luogo propaganda antipalestinese che lo ispira. Cosa aspettarsi, del resto, da una coproduzione Padrone/Servo?

Firewall (R. Loncraine, USA, 2006), 17.45, DT

L’esperto informatico di una banca ha messo a punto un firewall assolutamente invincibile, ma una banda di delinquenti prende in ostaggio la sua famiglia e minaccia di ucciderla se lui non li aiuterà a penetrare il sistema. Loffio e ‘già visto’ cento volte nella prima parte, diventa semplicemente ridicolo nella seconda, quando il buon Harrison Ford si trasforma in una specie di supereroe che ammazza tutti e salva la sua famigliola. Potete perdervelo tranquillamente.

Lunedì 16 gennaio

Il mondo dei replicanti (J. Mostow, USA, 2009), 21.05, Rai3

Terminator, Io robot, Minority report, Blade Runner, Il sesto giorno, Il mondo dei robot … Sono molti i padri di questo ultimo prodotto della SF americana, ma la ricerca degli ascendenti e delle citazioni non deve farci perdere di vista l’essenziale, e cioè che si tratta comunque di un ottimo film, sia dal punto di vista delle idee che da quello cinematografico puro e semplice. Il che non è poco: per le idee, che nel cinema ultimamente la titano spesso, e per l’aspetto tecnico, di fronte ad un cinema che, appunto a corto di ispirazione, sembra ora aspettarsi ogni miracolo ed ogni salvezza dal 3D. Ma riparleremo di questo dopo l’imminente Avatar, di J. Cameron. Qui siamo in una storia che è, prima di tutto, ‘semplice’, a partire dalla struttura narrativa: una sceneggiatura cronologicamente lineare, che coniuga benissimo il thriller con una storia della più pura ed ‘ovvia’ fantascienza. Nel 2054 la scienza ha prodotto i ‘Surrogates’ (questo è anche il titolo originale del film): androidi perfettamente antropomorfi collegati on line col loro ‘originale’ umano. Essi vivono al suo posto, mentre lui riposa quasi fetalmente in una poltrona. Possono fare qualsiasi cosa, correre qualsiasi rischio, immuni come sono da qualunque pericolo: e se si rompono, si comprano nuovi. Poco per volta, le strade si riempiono di robots, che vivono, lavorano, si divertono, mentre le loro ‘anime’ umane, ormai terrorizzate dal contatto con l’esterno ed incapaci di qualsiasi relazione reale, se ne stanno chiuse in casa, al buio. Tutto il mondo appartiene alle macchine, eccetto poche zone di ‘antimodernisti’ ed antitecnologici guidati dal Profeta, che ha istituito delle riserve ‘robots free’: ma la loro sembra una lotta senza speranza, e la VSI (Virtual Self Industries) sembra dominare ogni cosa. Un giorno però accade una cosa inaudita: alcuni robots vengono distrutti con un’arma nuova e sconosciuta, ma assieme a loro muore anche l’umano che in quel momento era collegato e che li controllava. Il pericolo di una simile eventualità è evidente e gravissimo, e delle indagini viene incaricato l’agente Greer, il cui rapporto coi surrogates è estremamente conflittuale. La verità che scoprirà sarà davvero sconvolgente, e lo porrà di fronte ad una decisione profondamente drammatica e – e non per modo di dire – epocale. Tutto chiaro, avvincente, diretto. Altrettanto chiaro è lo stile del film, che rifiuta quasi integralmente l’overdose di effetti speciali che sembra caratterizzare la SF più recente (cosa ancor più lodevole da parte di Mostow, autore del fracassone Terminator III°, 2003), usandoli il meno possibile e affidandosi invece alla ‘semplicità’ delle immagini, con una fotografia che spesso ricorda grandi classici di serie B del passato: L’ultima spiaggia (S. Kramer, 1959), La fine del mondo (R. MacDougall, 1959) eccetera. Ancora una volta, l’ennesima, è la fantascienza a parlarci quasi senza mediazioni di noi. Qui in campo c’è, questa volta, la nostra ‘paura’, quella che da qualche tempo ci intossica tutti: paura dell’estraneo, e poi del ‘diverso’, e poi di chi ha la pelle di un altro colore, e poi – o prima di tutto – di noi stessi, delle nostre emozioni. Oggi ce ne difendiamo cancellando noi stessi con alcol e droghe, e cancellando gli altri nei ghetti. In Surrogates la difesa consiste addirittura nel far vivere delle macchine al posto nostro, e non si sa cosa sia peggio. Riusciremo mai a “vivere in prima persona”?

Vatel (R. Joffé, Francia/GB, 2000), 15.30, DT

Nella primavera del 1671, Luigi XIV annuncia al Principe di Condé una visita di tre giorni. Trattandosi di ‘un’offerta che non si può rifiutare’, il Principe, pur sovraccarico di debiti, chiede a Vatel, il suo maestro di cerimonie, di organizzargli tre giorni fantasmagorici, tra giochi, feste e pranzi memorabili. A prezzo della propria consunzione, Vatel riesce nell’impresa, ma la sua dedizione non viene assolutamente riconosciuta da una corte cinica e crudele, di cui egli stesso finirà vittima. Capolavoro di ricostruzione storica e di indagine morale, tragico e fastoso, eroico e romantico, non si capisce come questa meraviglia sia uscita dalle mani di un regista che, a parte Mission (1986), è da seppellire sotto un pietoso silenzio. Grandissimo Depardieu e magnifica la Thurman. Assolutissimamente imperdibile: poi, per completare il ‘panorama’, correte a rivedervi il meraviglioso Marie Antoinette di Sofia Coppola e il coltissimo Il mondo nuovo di Ettore Scola.

Brivido caldo (L. Kasdan, USA, 1981), 09.10, DT

La ricca ed annoiata moglie di un uomo d’affari complotta col suo amante per far fuori il marito, ma per il bel gigolò (un’occasione per le fanciulle di lustrarsi gli occhi con W. Hurt: altro che George ‘Pescelesso’ Clooney!) le cose non finiranno benissimo. Uno splendido noir, amaro e ardente, con l’esordio (per i maschietti, stavolta!) di K. Turner, mai più così sensuale. Imperdibile.

Martedì 17 gennaio

Debito di sangue (C. Eastwood, USA, 2002), 19.20, DT

Sgangheratissima sceneggiatura sui drammi esistenziali di un poliziotto bianco che, in un trapianto cardiaco, riceve il cuore di una ragazza messicana. Una storia banale e melensa, condita da un’insopportabile retorica antirazzista. Come ho scritto altrove, certe volte Clint Eastwood dà l’impressione di essere stato assunto a ore da qualche organizzazione per I diritti civili: ‘Facci un film su qualche grande e nobile causa’, e lui esegue. A questo ‘filone’ si devono alcuni tra i peggiori film della sua carriera: per esempio questo e Fino a prova contraria (1999), para-thrilling sentimentaloide sulla pena di morte. Lasciate perdere.

Mercoledì 18 gennaio

Philadelphia (J. Demme, USA, 1993), 21.10, DT

Un giovane e brillante avvocato di Philadelphia viene improvvisamente licenziato in base a generiche motivazioni di inefficienza. In realtà, lo studio ha saputo che non solo è gay, ma anche sieropositivo, e vuole liberarsene come se fosse un appestato. Lui cerca giustizia, ed affida la sua causa ad un abile avvocato, che però è omofobo. Raro passaggio in tv di questo bellissimo e coraggioso esempio di cinema civile, questa volta indirizzato a combattere i pregiudizi mentali, culturali e sociali che tuttora moltissimi ancora nutrono contro i malati di AIDS. Pregevolissima l’interpretazione di un giovane Tom Hanks. Da vedere.

Giovedì 19 gennaio

Figli-Hijos (M. Bechis, Italia, 2001), 19.35, DT

Non l’ho visto (riporto la recensione del Dizionario Morandini), ma lo segnalo in onore di Marco Bechis, autore del bellissimo “La terra degli uomini rossi”, presentato alla Mostra del Cinema di Venezia del 2008, dove, incredibilmente, non ha vinto nessun premio.

“Figlia di una desaparecida del 1977, l’argentina Rosa cerca un fratello gemello, adottato da uno degli assassini in divisa, e lo trova in Javier a Milano nel 2000. Nato da un’inchiesta tra alcuni dei settantadue hijos di desaparecidos (su circa 500) identificati con sicurezza, l’opus n. 3 dell’italo-cileno M. Bechis è complementare e diverso da Garage Olimpo, film sul passato. Si rievoca la stessa vergogna – di essere argentini, di essere umani – le radici del dolore e il rimosso con la sensibilità e, forse, con la speranza del presente. Scritto, come gli altri due, con l’italo-polacca Lara Fremder, conferma la capacità del regista di raccontare per immagini e di non separare il linguaggio dal discorso politico. Qualche vuoto nella 1ª parte, dovuto all’eccessiva fiducia nel fare a meno dello scavo psicologico”.

Notte prima degli esami (F. Brizzi, Italia, 2006), 21.10, Sky

E’ l’ultimo giorno di scuola, e sapendo che non rivedrà più i suoi insegnanti – lo aspetta la Maturità – Luca vuole togliersi un rospo dallo stomaco: va dal suo professore di italiano, soprannominato La Carogna, e gli vomita addosso tutto l’odio e il disprezzo che ha accumulato contro di lui per tre anni. Ma non sa una cosa: che proprio lui, all’ultimo momento, è stato nominato commissario interno all’esame, e quando lo scopre capisce di non avere futuro. Per consolarlo, gli amici lo portano ad una festa, e là Luca ha una visione: Claudia, la “donna della sua vita”. Ma non sa chi è, e inoltre l’ha vista insieme ad un burino alto il doppio di lui, e pieno di muscoli. Nella ricerca di questa fantomatica creatura, e nel tentativo di trovare una soluzione alla sua mostruosa gaffe, si consumano i giorni e le notti che separano Luca dall’esame. Ben lungi dall’essere l’ennesimo teenager-movie, sporcaccioncello  e volgarotto, NPE è un film delizioso, una commedia garbata, intelligente, discreta, piena di buon gusto e di spirito, e, tra l’altro, divertentissima. Dal micidiale colloquio iniziale con La Carogna all’ultima inquadratura, le avventure di Luca e dei suoi amici si susseguono attraverso un fuoco di fila di battute esilaranti e di situazioni comicissime, senza tuttavia che mai una sola volta si scada nella volgarità postribolare che è oggi la cifra e l’unico contenuto della commedia italiana (Boldi, De Sica e i Vanzina dovrebbero guardarselo non stop, per ventiquattr’ore filate). Fausto Brizzi – un signor nessuno dal luminoso avvenire, almeno a giudicare da questo esordio – è evidentemente un uomo di buone letture, perché raramente si è vista una sceneggiatura così squisitamente teatrale, dalla commedia degli equivoci di Feydeau al bellissimo Casa a due porte non puoi sorvegliare, di Calderon de la Barca, cui moltissime situazioni sono ‘sfacciatamente’ ma intelligentemente ispirate. In questo suo primo lavoro è stato coadiuvato da un cast davvero di qualità. Prima di tutto, ottimi i ragazzi del gruppo, impegnati solo a recitare, cioè a fare il loro lavoro, non a mettersi in mostra. Ma gli elogi maggiori vanno ai due principali interpreti adulti. Prima di tutto, è ovvio, Giorgio Faletti, semplicemente strepitoso nel dar vita ad una ‘carogna’ che però ha dentro di sé un animo e una storia, con una recitazione efficacissima, ma sempre misurata e sotto le righe, senza cedere una sola volta al tentativo di far riemergere, magari solo con un guizzo, i suoi vecchi (e peraltro pregevolissimi!) personaggi di cabaret, con cui si fece un nome a Drive In. In secondo luogo, elegantissimo, sensibile e bravissimo, ai limiti della commozione, Riccardo Miniggio, nella piccola parte del fidanzato della nonna, ad ennesima dimostrazione della sacrosanta legge per cui non esistono cattivi attori, o ruoli ‘minori’, ma solo cattivi registi. Lo aspettiamo alle prossime prove, ma certo qui cattivo regista Brizzi non è stato. Ci lascia con un altro tocco di professionalità, evitando un terrificante e stucchevole happy end che avrebbe rovinato tutto e con dei simpaticissimi titoli di coda affettuosamente ispirati ad Animal House, dopo un film che ricorderemo a lungo con vero piacere.

S1m0ne (A. Niccol, USA, 2002), 15.35, Sky

Stanco delle bizze delle dive in carne ed ossa, un regista, grazie ad un prodigioso software, ne crea una virtuale, grazie alla quale i suoi film raggiungono un successo strepitoso. Il pubblico, ed anche lui, impazziscono per questa creatura, che pare incarnare l’eterno femminino. Quando si rende conto di essere divenuto schiavo di un’illusione cerca di liberarsene, ma si accorge che non è più possibile.  Poco più di un’ombra è rimasta, in questo film della magia del sublime Gattaca (1997), film d’esordio di Niccol, che non ha più ripetuto quel miracolo di poesia e filosofia. S1mOne è un film piacevole e intelligente, certo, ma che lascia con un’acuta sensazione di non approfondito, di superficiale, di approssimativo, e che fondamentalmente si regge sulla performance di un Al Pacino semplicemente prodigioso (ma quando non lo è?). Comunque da vedere, assolutamente (così capirete anche lo stranissimo titolo …).

Venerdì 20 gennaio

L’impero dei lupi (C. Nahon, Francia, 2005), 21.10, DT

Se leggendo il titolo avete pensato a lupi mannari e orrori simili, magari, ma disingannatevi. Qui si parla dei Lupi Grigi, la celebre organizzazione turca di estrema destra, questa volta impegnata a Parigi in una storia complicatissima fatta di traffico di eroina, traffico di immigrate, esperimenti pseudoscientifici sul ricondizionamento mentale, vendette personali e chi più ne ha più ne metta. Un papocchio quasi invedibile, nel quale non si capisce perché si sia fatto coinvolgere, nella caricatura di se stesso, un attore fine e intelligente come Jean Reno, peraltro non nuovo a ‘complicità’ in solenni boiate (vedi il remake di Rollerball).

“Il cinema americano ha successo perché loro fanno bene i film. Noi facciamo bene la pizza”

R. Benigni

“Il cinema italiano è deprimente”

Q. Tarantino

“Un qualsiasi stupido film americano contiene sempre un insegnamento, a differenza di un qualsiasi artistico film inglese”

L. Wittgenstein

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Sabato 7 gennaio

Nessuna verità (R. Scott, USA, 2008), 17.05, DT

Dopo una serie lunghissima di film mediocri, se non decisamente brutti, lontani anni luce dai capolavori coi quali ha esordito molti anni fa, ecco finalmente un film di R. Scott che, senza essere appunto un capolavoro, è comunque un ottimo film, serio, intelligente e ben scritto. Tanto più apprezzabile se lo si confronta – il paragone è inevitabile – con una recente pellicola sullo stesso argomento – le operazioni della CIA in Medio Oriente – quel Syriana di S. Gaghan (USA, 2005) dalla sceneggiatura schizzata e scombiccherata ai limiti della comprensione. Qui invece abbiamo, prima di tutto, un’ottima sceneggiatura, estremamente complessa nello svolgersi degli eventi (le locations cambiano in media ogni dieci minuti e gli eventi sono quasi sempre frenetici), ma ordinata e rigorosa nel raccontare, che permette allo spettatore di seguire con vera passione. Ambientato ai nostri giorni in Giordania, NV narra appunto di un’operazione CIA tesa ad impadronirsi di un terrorista a capo di una cellula molto attiva, che sta martoriando l’Europa con sanguinosi attentati (una metafora di Al Qaeda, la bestia nera degli americani, i quali mai si chiedono chi abbia creato il mare in cui ora nuota agilmente quel pesce velenoso). L’uomo sembra assolutamente inafferrabile, non solo perché accuratissimamente protetto dai suoi, ma anche perché i mezzi di comunicazione che usa sono estremamente ‘primitivi’, e dunque purtroppo non rilevabili dalle incredibili tecnologie dell’intelligence USA. Così, Roger Ferris, l’agente sul campo (un bravo Leonardo di Caprio) propone a Ed Hoffman, suo capo a Langley (un bravissimo Russel Crowe, come sempre) un’operazione di infiltrazione, allo scopo di far uscire allo scoperto il terrorista. Il marchingegno avrà successo, ma Ferris vi rimarrà coinvolto molto più di quanto avesse progettato. A parte un discorso iniziale di Hoffman, ed alcune conversazioni tra lui e Ferris, il film non si schiera, e non propone alcuna ‘morale’ finale. Con grande obiettività, anche a costo di rinunciare a facili tipizzazioni, il giudizio viene lasciato allo spettatore, messo di fronte a due figure psicologicamente molto interessanti. Hoffman è un personaggio non ‘cattivo’, ma visceralmente amorale, nel quale il cinismo è, più che un mezzo, una seconda natura. Indifferente al destino degli uomini sul campo, interessato solo all’esito della missione, non prova passioni o sentimenti per nessuno (“Il ragazzo è andato”). Così pure, Ferris non incarna il suo doppio ‘buono’ (il poliziotto buono e quello cattivo). E’ solo un soldato, fedele, onesto e coraggioso, che ad un certo punto si stanca di essere usato come una pedina. Nessuna conversione politica, ideologica o ideale, in lui: solo la ‘scoperta’ della realtà, dopo tanti amici mandati a morire e una vita personale, la sua, in procinto di sfasciarsi. Insomma, un gran bel film, che vale ampiamente i soldi spesi. Un ultimo consiglio. La prossima volta che vi fermate dietro ad un albero a far pipì, guardate in alto, e se vedete qualcosa che luccica, beh, la CIA vi spia! (Per i maniaci dei ‘contenuti speciali’: le immagini dai Predator non sarebbero ‘trucchi’ cinematografici. Pare che Scott abbia avuto in ‘prestito’ dalla CIA un vero Predator per le riprese, che in effetti hanno un contenuto realistico assolutamente strabiliante).

Domenica 8 gennaio

Il colore viola (S. Spielberg, USA, 1985), 23.35, Rete4

Storie tragiche di due sorelle nere nell’America dei primi Novecento: lacrimoni, emozioni, melodrammone noiosissimo. Woopy Goldberg – ‘attrice’ (si fa per dire …) le cui virtù attoriali si sono sempre mosse tra i confini della pagliacciata disneyana, della soap e del grottesco – al massimo potrebbe fare la ‘mamie’ in un remake di Via col vento, ma recitare è un’altra cosa.

Babe (C. Noonan, Australia, 1995), 20.30, DT

Piccolo miracolo di fantasia e di eleganza, questa affettuosissima favola che sembra avere avuto i Fratelli Grimm come sceneggiatori e aiuto registi. Babe è un maialino di fattoria, destinato a finire in salsicce, naturalmente. Ma lui si ribella, e con l’aiuto – o l’ostilità! – degli altri animali, cerca di costruirsi un destino diverso: fino al ‘miracolo’ finale (la parola non è eccessiva: guardate il cielo che si apre!). Assolutamente imperdibile.

Pitch Black (D. N. Twohy, Australia/USA, 2000), 17.10, DT

Un’astronave precipita su un pianeta apparentemente disabitato. Tra i suoi passeggeri, un cacciatore di taglie e la sua preda, Riddick, un criminale del tutto privo di morale – apparentemente – con una particolare caratteristica fisica: durante i lunghi anni trascorsi in isolamento, si è fatto modificare gli occhi, ed ora vede perfettamente al buio. I superstiti iniziano ad esplorare il pianeta e trovano un villaggio di minatori abbandonato. Studiandone le attrezzature, scoprono un’orribile verità. Il sottosuolo del pianeta è infestato da mostri sanguinari, che escono solo di notte (e che proprio di notte hanno già sterminato tutti i minatori). Ma non è tutto. Nonostante i tre soli che ruotano attorno al pianeta, per una rarissima congiunzione astrale sta per arrivare un’eclissi, che precipiterà per sempre il pianeta nel buio. Nel villaggio c’è anche un’astronave di salvataggio, ma per riattivarla occorrono dei pezzi di ricambio da prelevare nel relitto di quella caduta. Il gruppo si precipita a recuperarli, ma quando sta per ripartire, scende il buio perpetuo, e i mostri escono dalle loro tane ed iniziano a fare strage. Ora sono tutti nelle mani di Riddick, l’unico che può guidarli, e che può salvarli: se vorrà. Ispirato all’ottimo racconto Strada buia (A walk in the dark, Arthur C. Clarke, Einaudi, 1962), PB è un altrettanto ottimo film di fantascienza, che riesce benissimo a mettere in scena quello che, secondo me, dovrebbe essere il ‘tema’ fisso di tutti i film di questo ‘genere’: l’ignoto, e la paura che esso produce. Un genere, la fantascienza – lo dico en passant – oggi tragicamente negletto, e un’ispirazione altrettanto dimenticata. Dopo Alien, passando per quell’idiozia pseudofilosofica (!!!???) di Matrix, sono pochissimi i titoli degni di menzione. Forse La mosca di Cronenberg, ma ben poco altro. Qui c’è il meglio di tutto. L’ignoto, appunto: e quale ‘ignoto’ può essere più terrificante del buio? Tutti ne abbiamo avuto paura, da bambini. L’eroe, negativo, ma sempre eroe. La solitudine, senza speranza di salvezza e di aiuto. I mostri: misteriosi, sanguinari, nascosti. La luce acida e tagliente – finché ce n’è! – rende ancor più inquietante questo posto maledetto. E poi i ribaltamenti di fronte, i colpi di scena: violenti ed inaspettati, fino all’ultimo, il ‘peggiore’ di tutti. Un gioiellino, in cui anche l’abitualmente inespressivo Vin Diesel è perfettamente adeguato al personaggio, inquietante, sfuggente ed ambiguo.

Lunedì 9 gennaio

1855 – La grande rapina al treno (M. Crichton, GB, 1978), 21.00, DT

Deliziosa e piacevolissima versione del buon romanzo di Crichton (interessante ed intelligente: da leggere), con uno sfavillante Sean Connery ed un divertente Donald Sutherland. Attenti alla divertentissima schermaglia di doppi sensi tra Connery ed una signora ‘allegra’ al tavolino del tè. Da vedere.

21 (R. Luketic, USA, 2008), 21.00, DT

Ben è uno studente del MIT di Boston. Col suo curriculum da “piccolo genio” vorrebbe studiare medicina ad Harvard, ma gli servono trecentomila dollari: un sogno proibito. Micky è il suo insegnante di matematica, ex giocatore di Black Jack, che ha messo insieme una squadra di studenti eccezionalmente dotati in campo matematico-probabilistico, con la quale sta sbancando i casinò di Las Vegas. Micky vuole anche Ben nel suo gruppo e ben, dopo molte riluttanze iniziali, accetta, perché vede che è l’unico modo per pagarsi gli studi. Quando avrà messo da parte la somma necessaria smetterà: “È solo un mezzo per il fine”. Ma poco per volta l’ebbrezza del gioco e del denaro facile gli danno alla testa, fino a metterlo in urta proprio col suo Pigmalione, e le conseguenze rischieranno di essere terribili. Una storia modestissima, sceneggiata ancor più modestamente (chi non ha capito perché Ben torna a chiedere scusa a Micky?!) e moderatamente noiosa. Ma la presenza di Kevin Spacey – uno degli attori più intelligenti del cinema contemporaneo, qui magnetico e gelidamente amorale – nella splendida interpretazione del professore, ne consiglia comunque almeno una visione.

Unstoppable (T. Scott, USA, 2010), 21.10, DT

I migliori film di suspense sono quelli in cui ‘non succede niente’, quelli che si svolgono tutti ‘lì’, magari nella stessa stanza, meglio ancora quelli che ‘sai già come andrà a finire’. Perché lì si vede l’intelligenza, o per lo meno l’abilità, del regista e dello sceneggiatore, che riescono a tenerti inchiodato con una storia che, appunto, conosci già per averla vista mille volte, ma che questa volta ti viene raccontata in modo così originale che tu stai lì a mangiarti le unghie fino ai polsi, e ti diverti da morire. Innumerevoli sono gli esempi, riusciti ed anche falliti. Tra i primi, tanto per citare un capolavoro, La parola ai giurati (S. Lumet, USA, 1957); tra i fallimenti, uno clamoroso: In linea con l’assassino (J. Schumacher, USA, 2002). Ancor più difficile è il compito quando ci si cimenta con un tema già usato tante volte, e magistralmente, o addirittura con una storia già raccontata. Qui il tema è quello dei film ‘di treni’, che tanti bellissimi film ci ha regalato. La storia, già raccontata magnificamente da A. Koncalovskij (A trenta secondi dalla fine, USA, 1985) è invece quella del treno fuori controllo che rischia di provocare una catastrofe. Dopo l’incantevole thriller ‘politico’ di Pelham 1-2-3, forse il suo film più raffinato ed intelligente, Scott ci regala oggi questo piacevolissimo film che appunto rimescola, con l’aiuto del suo grande mestiere, storie e situazioni che hanno molto di déjà vu (ancora Scott!), ma che egli racconta con maestria quasi ineguagliabile. La trama l’avrete già capita, e si racconta in due parole. Per un errore di manovra, un treno carico di pericolosi prodotti chimici parte senza conducente, e rischia di deragliare proprio al centro di una popolosa cittadina, facendo esplodere dei depositi petroliferi. Saranno due normali ferrovieri, uno dei due novellino in odor di raccomandazione, a risolvere per il meglio la faccenda. Tutto saputo dunque. Ma. 1) Nonostante si possa perfettamente prevedere come finirà – ed anzi lo si sappia, perché il film è ispirato ad una storia vera – tuttavia la suspense è alle stelle, al punto che è difficile starsene fermi sulla sedia. ‘Riusciranno i nostri eroi …?’ Certo che ci riusciranno, ma tu palpiti, tremi, fai il tifo per loro, e questo, cari miei, è spettacolo puro. 2) I personaggi sono puri stereotipi: vero. Il vecchio ferroviere in procinto di essere licenziato ma tuttavia innamorato del suo lavoro; il principiante con casini coniugali, che getta il cuore oltre l’ostacolo, salva migliaia di vite e riconquista la moglie; il burocrate stupido e corrotto, che viene scalzato dal subordinato onesto e idealista. Tuttavia qui lo stereotipo non è ‘il’ film, ma semplicemente un ingrediente, spruzzato con misura certosina, tanto che – il ricordo di quel gioiellino di Pelham è vivissimo – anche qui è possibile leggere qualche metafora non tanto della società americana, quanto dei suoi miti, il che è anche meglio. Insomma, Tony Scott bravissimo, da anni non ne sbaglia una, Denzel Washington ormai suo attore icona, capace di ogni sfumatura, anche di calarsi in un film come questo, ‘commerciale’ ma di gran qualità. Averne.

Il tagliaerbe (B. Leonard, USA/Giappone/GB, 1992), 17.20, DT

Da un racconto di S. King (che chiese di cancellare il suo nome dai credits, tanto l’originale era stato violentato dagli sceneggiatori) una storia fantascientifica comunque disordinata e strampalata: uno scienziato tenta di trasformare un ritardato mentale in un individuo dai poteri eccezionali. Confuso e abbastanza noioso.

Non aprite quella porta (T. Hooper, USA, 1974), 01.05, DT

In una cittadina americana di una provincia desolata, resa ancor più disperata dallo spostamento dell’autostrada, che l’ha gettata nell’abbandono e nella miseria, un gruppo di ragazzi incappa in una casa nei campi abitata da una famiglia che prima cucinava hamburger per i viaggiatori, e che ora la povertà e l’isolamento hanno precipitato nella follia assoluta. Celeberrimo capolavoro dell’horror moderno, NAQP è una splendida metafora del male oscuro che cova sotto la coperta falsamente tranquillizzante del sogno americano. Hooper è genio e maestro nel confezionare un film che terrorizza oltre ogni limite (con un contributo minimo di effetti speciali: niente a che vedere con la serie infinita di recenti ed inutili rifacimenti, tutti bassissima macelleria, e in particolare con lo sciagurato remake di Marcus Nispel, 2003), e che al tempo stesso fa riflettere. Semplicemente sublime la fotografia: l’immagine sgranata della ragazza resa pazza dall’orrore, che, alla fine del film, irrompe sull’autostrada inseguita da Faccia-di-cuoio brandente la motosega, è da Oscar. Assolutamente imperdibile.

Martedì 10 gennaio

Attacco al potere (E. Zwick, USA, 1989), 21.00, Sky

In seguito ad alcuni attentati di fondamentalisti islamici negli USA, un generale con tendenze fascistoidi riesce a farsi dare i pieni poteri, sospendendo le libertà civili ed avviando il paese verso una dittatura militare. Ma i liberals insorgono. Buon film d’azione e interessante riflessione sui pericoli che si possono correre a dar retta alle follie di un Magdi Allam o ai rutti mentali di un Borghezio (ma forse è proprio quello che qualcuno desidererebbe …). Consigliabile, e non perdete i primi dieci minuti!

The road (J. Hillcoat, USA, 2009), 23.15, DT

Ma come, come nascono certi ‘miti’ cinematografici? O meglio, poiché a questo punto è evidente che non sono nati da soli: perché mai vengono inventati? Su che basi (come Avatar: ve lo ricordate? “Il film che cambierà la storia del cinema” … ‘sti cazzi!)? Questo dunque sarebbe il film di cui si è ritardata la programmazione perché troppo tragico, cupo, angosciante, per cui si temeva una reazione negativa del pubblico? Ma andiamo, via, un po’ di serietà. Altro c’era da temere, da parte appunto del pubblico. Per esempio, un’epidemia di suicidi in massa causati dalla noia, la noia massacrante di un film in cui non succede nulla, e quel nulla succede con una lentezza esasperante, per cui dopo una decina di minuti è giocoforza mettersi a fare il tifo per i cannibali, l’unico elemento ‘vitale’ del film: che se li mangino, quel lagnosissimo papà col suo bambino, così almeno ci divertiamo un po’. Oppure una pericolosa serie di travasi di bile, causati dalla rabbia per quella che pare essere la fiera dell’inverosimile e dell’improbabile. Cogliamo fior da fiore. Il bambino non ha mai visto una lattina di Coca Cola, e chiede “che cos’è”. Assurdo, per molte ragioni. Perché quando lui e il padre sono fuggiti lui aveva circa otto anni, e tra i viveri di cui fino a quel momento avevano vissuto, accumulati in casa, è ragionevole pensare che due americani medi avessero stipato anche numerose bibite in lattina (scommetto che a rivedere il film con attenzione – no, per favore! – sarebbe facile individuarne qualcuna sugli scaffali della cucina). Perché, anche, le strade su cui camminano sono cosparse di migliaia di lattine vuote, e il padre-mentore, tra i tanti filosofemi di cui gratifica il figlio, gli avrà pur spiegato cosa sono. Perché è impossibile che, in tutti gli edifici abbandonati che visitano, quella sia l’unica e la prima lattina piena che trovano. E la stessa cosa si può dire dello shampoo. Oppure. Due soli proiettili? Ma è semplicemente assurdo pensare che in tutte le case abbandonate in cui entrano non abbiano mai trovato una scatola di proiettili, o un’altra arma carica: a quel che ne sappiamo, in una casa americana è molto più facile trovare un’arma che un libro, tanto per dirne una. Oppure. Possibile che, visitando una nave abbandonata, l’unica cosa utile che trova sia, in tutto e per tutto, una pistola lanciarazzi?! Scendendo poi nel deposito di cibi sotterraneo, scendiamo nel ridicolo. Le scatole di biscotti sugli scaffali sono disposte come in mostra, a spina di pesce, per esser sicuri che gli spettatori capiscano di cosa si tratta … Chi è stato lo sciagurato scenografo che l’ha arredato? Ancora. Il mondo è in rovina, ma in una casa abbandonata funziona tutto perfettamente: luce, acqua, gas, riscaldamento … Ma prima di questo, è tutta la ‘storia’ in sé che non sta in piedi, che non ha sostanza, vita, dramma. I flash-back con la madre sono assolutamente, totalmente estranei all’economia della narrazione: si potrebbe rimontare il film eliminandoli e nessuno se ne accorgerebbe. Come pure incomprensibile è l’incontro col ‘Profeta Elia’: cosa dovrebbe dirci? Cosa dovrebbe significare, per i personaggi del film? E perché sempre “a Sud”, anche dopo aver visto che il Sud fa schifo come il Nord? Perché i buoni dovrebbero stare solo a Sud e i cattivi solo a Nord? Dobbiamo vedere in ciò una subdola polemica antileghista (si fa per cazzeggiare: non c’è molto altro da fare di serio, in questo film)? Modestissimi i risultati della computergrafica nella resa delle nebbie e dei fumi, che sanno tanto da trasparenti anni Cinquanta. Modestissimo il grande Viggo Mortensen, in una performance da dimenticare. Il piccolo Codi Smith-McPhee, quando piange fa piangere: meno male che non ride mai. Andate a letto, ché è meglio.

Mercoledì 11 gennaio

Fuga di mezzanotte (A. Parker, GB, 1977), 21.00, DT

La storia vera di Billy Hayes, arrestato negli anni Settanta all’aereoporto di Istanbul con due chili di hashisch, il quale, per colpa di un’assistenza legale estremamente rozza – ma soprattutto per la volontà del governo turco di ‘dare una lezione’ a spese del primo fesso che gli fosse capitato per le mani – venne condannato all’ergastolo. Rinchiuso nelle carceri turche, Hayes si trovò improvvisamente precipitato in un girone infernale di violenza, abiezione, follia e malattia che lo ridusse ad una larva umana. Solo per un caso fortuito riuscì a fuggire e a raggiungere l’ambasciata americana, che lo fece espatriare. Un bel film, forte e duro, con una bella sceneggiatura di O. Stone. Da vedere soprattutto ora, quando con tracotanza la Turchia preme per entrare in Europa: la stessa Turchia dove, l’8 marzo dell’anno scorso, uno sparuto drappello di donne e omosessuali, che aveva osato mostrare la faccia nel centro di Istanbul, venne massacrato di botte dalla polizia. La stessa Turchia che tutt’oggi nega il genocidio degli Armeni, uno dei più orribili della Storia recente. La stessa Turchia dove il genocidio e l’etnocidio dei Curdi sono tutt’ora in atto. La stessa Turchia dove, di recente, il portavoce del Ministero della Giustizia ha dichiarato: “Tutti gli uomini vogliono sposare una vergine: chi lo nega è un ipocrita” ed anche “Una donna violentata è meglio che sposi il suo violentatore: il tempo guarirà le ferite, lei lo amerà e saranno felici”. Oltretutto, un ottimo film, veramente da vedere.

Hook (S. Spielberg, USA, 1991), 14.50, Sky

Un avvocato di successo pensa solo agli affari e non si cura dei figli, ma quando Capitan Uncino glie li rapisce si ricorda di essere stato un giorno Peter Pan, e torna sull’Isola che non c’è a riprenderseli. Uno di quei film di Spielberg di derivazione tragicamente ‘disneyana’ nel senso peggiore del termine: dolciastro, melenso, insopportabile. E, come se non bastasse, noioso e banale. Da perdere, soprattutto per i bambini: fategli vedere “Peter Pan” di Disney, che è cento volte meglio.

Solomon Kane (M.J. Basset, Francia/Repubblica Ceca/GB, 2009), 19.10, Sky

Assieme a J.R.R. Tolkien, Robert Ervin Howard (1906-1936) è stato il maggior scrittore di Fantasy del secolo scorso. Di questa branca della letteratura fantastica egli ha esplorato praticamente tutti i sottogeneri, ma soprattutto grandissimo è stato nell’heroic fantasy (o sword & sorcery), ambito nel quale creò – oltre a Solomon Kane, cui è ispirato questo film – anche il celeberrimo Conan il Barbaro. Succube di una madre oppressiva, ma anche delle sue stesse fantasie, Howard visse un’esistenza breve e tormentata, che per alcuni aspetti ricorda quella del suo ‘predecessore’, E.A. Poe – scrittore peraltro ampiamente sopravvalutato – ma soprattutto quella del suo ‘maestro’, il grandissimo H. P. Lovecraft. Nonostante ciò, la sua produzione letteraria fu amplissima, e tutta di ottima qualità, e merita assolutamente di essere riscoperta: gran parte di essa è oggi disponibile in traduzione italiana. Curiosamente, Howard è stato pochissimo frequentato dal cinema. Vien da pensare che sia accaduto a lui ciò che è accaduto a Dumas: scrittori la cui prosa è di per sé talmente ricca e densa, a livello immaginifico e narrativo, da renderne paradossalmente ardua la trasposizione sullo schermo (e infatti i film tratti da Dumas sono, in genere, piuttosto banali). Se non sbaglio, prima di questo due sono state le traduzioni cinematografiche da Howard. La seconda – Conan il Distruttore, R. Fleischer, USA, 1983 – è una ridicola parodia, con una sceneggiatura da dimenticare e il penoso contributo di Grace Jones. Ma il primo – Conan il Barbaro, J. Milius, USA, 1982, con un bravissimo A. Schwarzenegger – è un capolavoro del genere Fantasy, che non sfigura affatto a fianco del recente Signore degli Anelli. La bellezza del film, però, è in gran parte merito del regista, il grande John Milius che, già di suo sensibile ai temi dell’eroe e della regalità, trovò nell’immaginario di Howard e nel suo personaggio un soggetto ideale, scrivendo una storia colma di grandezza, magia ed avventura, stilisticamente ‘elementare’, che fa un uso minimo e ridottissimo di qualsiasi effetto speciale. Purtroppo quei tempi son passati, ed anche quei registi. La nostra è l’era della computer grafica, che consente a chiunque di credersi un genio del cinema e di poter fare qualsiasi cosa. Così è stato per questo signor Basset, che dubitiamo seriamente sia in grado di lasciare nel cinema una gran traccia di sé. Invece di scavare, appunto, nel materiale letterario, culturale e fantastico dello scrittore americano, invece di esplorare il personaggio di Solomon Kane – mortale spadaccino in un’imprecisata Europa del Cinquecento, un blade runner sempre in bilico tra nemici sanguinari ma concreti e ben più pericolosi nemici infernali e soprannaturali – Basset si limita a confezionare la solita orgia di creature virtuali che cominciano ormai a sapere pesantemente di déjà vu. Anche l’ambientazione, a dir la verità più al sapor di cupo Medioevo che di Cinquecento, è risaputa, e soprattutto eccessiva. Raramente il mestiere, se pur c’è, salva dalla sostanziale assenza di ispirazione. Un film vedibile, con l’impegno di correre però subito dopo in libreria, perché, come dice Conan: “Volete vivere in eterno?!”.

Giovedì 12 gennaio

Malcom X (S. Lee, USA, 1992), 16.00, DT

Sulla vita del celebre leader delle Black Panthers, assassinato dalla CIA nel ’65, Lee ha scritto, com’è suo solito, un film mortalmente lungo (più di tre ore!) e mortalmente noioso, raffazzonato ed approssimativo, verboso e pieno di chiacchiere, che si parla addosso, cronachistico, cioè meno ancora che documentaristico, che nulla aggiunge né alla gloria di Malcom X né al cinema. Come ho detto molte altre volte, non basta ‘essere di sinistra’ e ‘fare film di sinistra’ per fare bei film. Del resto, per rendersi conto di quanto Lee sia sopravvalutato, basta vedere quella intollerabile scemenza del suo ultimo film, Miracolo a Sant’Anna (USA, 2008).

Cafè express (N. Loy, Italia, 1980), 17.15, Sky

Come Alberto Sordi, anche Nino Manfredi è stato spesso – e purtroppo volentieri – il ‘cantore’ delle volgarità e delle miserie sottoproletarie italiane. Così è anche in questo film, in cui si raccontano le peripezie di un venditore abusivo di caffè sui treni di linea del Sud. Ridicolo è dir poco, anche se è riuscito a fare di peggio (Cioccolata a colazione).

Venerdì 13 gennaio

Million dollar baby (C. Eastwood, USA, 2004), 21.00, DT

Certe volte Clint Eastwood dà l’impressione di essere stato assunto a ore da qualche organizzazione per I diritti civili: ‘Facci un film su qualche grande e nobile causa’, e lui esegue. A questo ‘filone’ si devono alcuni tra i peggiori film della sua carriera: Fino a prova contraria (1999), para-thrilling sentimentaloide sulla pena di morte, e Debito di sangue (2002), sgangheratissima sceneggiatura sui drammi di un trapiantato cardiaco, banale e retorica. Qui ci risiamo. Questa volta tocca all’eutanasia, tema quanto mai drammatico e straziante, e dunque assolutamente degno di rispetto. Ma il punto è che non basta parlare di una grande causa per fare un grande film, come non basta parlare di temi ‘alti’ per produrre un grande libro (tanto per fare un esempio al volo: leggetevi le scemenze pseudofilosofiche, da Baci Perugina, di Paulo Coelho); come, a scuola, non bastava saper ‘scrivere bene’ per fare un bel tema. Così è, secondo me, di questo film. Perché non c’è dubbio: MDB è ‘scritto’ molto bene. A cominciare dalla recitazione, per esempio: Eastwood forse mai così intenso, la Swank meravigliosa, Morgan Freeman talmente umano e dolce da rubare quasi la scena al suo grandissimo partner. Per continuare con la sceneggiatura, questa volta rigorosa e concisa, senza sbavature (se vogliamo trascurare il particolare della figlia che lo ha rifiutato, da cui lui cerca di farsi perdonare e di cui Maggie prende il posto, che ha grande importanza nel tessuto della narrazione. Perché è successo? Che cos’ha lui da farsi perdonare? Non sono domande che possano essere lasciate all’immaginazione dello spettatore), per finire con la fotografia, semplice e asciutta (ma quelle insistite inquadrature dei grattacieli di periferia contro il tramonto sono davvero manieristiche e calligrafiche). Scritto bene, certamente: anche troppo. In effetti, se lo si guarda con attenzione, gli stereotipi e i luoghi comuni ci sono tutti. Il vecchio burbero dal cuore d’oro, che prima si nega e poi, commosso dalla dedizione del giovane, cede e lascia sgorgare tutta la sua saggezza. Specularmente, il giovane inesperto che ‘si innamora’ del vecchio saggio e che lo elegge a sua guida spirituale (ma – lasciatemi dire una cattiveria – a volte la Scwank è quasi ridicola, all’inizio del film, nel suo scodinzolare attorno al vecchio Eastwood). Il ‘fior del fango’, ovverosia il giovane proveniente da una realtà sociale degradata e che ciò nonostante è uno scrigno di virtù (la ‘famiglia cattiva di Maggie è quasi una macchietta). La ‘paternità per adozione’, leit motiv di tanti, bellissimi film americani (per esempio, il magnifico I cowboys, con John Wayne). La coppia di vecchi amici, che magari hanno qualcosa da rimproverarsi nel passato ma che sono comunque strettamente legati da affetti, sofferenze ed avventure (anche qui, innumerevoli titoli). Il rovello religioso, che si accompagna e nasconde personali problemi esistenziali. Lo sport – meglio se duro e doloroso – come scuola di vita. Il vecchio eroe imbolsito che tuttavia è ancora capace di uno scatto di orgoglio per rimettere le cose a posto. Eccetera, eccetera. Scritto bene, appunto. Ma quando esci, ti fermi un attimo e ti chiedi: e allora? Ma perché? Cosa mi ha detto? Al di là di tante scene ruffiane – certe volte pare quasi che manchi solo il cartellino “Attenzione: scena da piangere. Tirare fuori i fazzoletti” – quello che, come sembrerebbe, nelle intenzioni del regista doveva essere ‘il’ tema, ‘il’ problema – l’eutanasia – è invece proprio quello che esce più trascurato e più ignorato da questo film, sopraffatto invece dalle emozioni personali dei personaggi e dalla commozione che esse destano nello spettatore. Una storia, in conclusione, chiusa in se stessa, potremmo dire ‘una storia inutile’, che – ed è questa la cosa incredibile – sembra non avere parentela alcuna con Mystic River, uno dei film più struggenti e intensi degli ultimi anni. Peccato. Anche se – e sono sincero – comunque niente riuscirà a scalfire in noi l’amore e il rispetto per questo grandissimo del cinema americano. Provaci ancora, Clint.

Un dollaro d’onore (H. Hawks, USA, 1959), 15.50, Rete4

Il grande John Wayne qui impegnato non solo a  sconfiggere i soliti prepotenti, ma anche a restituire onore e dignità ad un amico alcolizzato, in un western elegante e perfetto. Imperdibile.

La spina del diavolo (G. Del Toro, Spagna/Messico, 2001), 21.10, DT

Pare che nel cinema spagnolo sia abbastanza frequente la figura di chi s’inventa regista dalla sera alla mattina, e pensa che, per ‘cucinare’ un buon prodotto, sia per forza necessario usare ingredienti forti. Il risultato sono spesso dei polpettoni indigeribili e scadentissimi (come, per esempio, il pessimo La vita segreta delle parole, di I. Coixet, 2005). Uno di questi è Guillermo Del Toro, e quale miglior ingrediente, in Spagna, della dittatura franchista? Come nel suo successivo Il labirinto del fauno (2006), anche qui Del Toro se ne serve a piene mani, ma, come in quello, vicenda ‘politica’ e plot procedono come le parallele geometriche, senza mai incontrarsi. Qui, oltretutto, anche la storia è banale, noiosa e stravista – il fantasma di un bambino ‘morto male’ che infesta un orfanotrofio: Dio, che originalità – per cui il risultato è un bruttissimo film che sopporta a stento una visione. Forse in Spagna dovrebbero avere un po’ più di considerazione per il cinema, ed anche evitare di svilire a ‘location storica’ la tragedia del fascismo che hanno attraversato.

Quel treno per Yuma (J. Mangold, USA, 2007), 01.00, DT

Non è vero che i generi muoiono e non possono essere resuscitati. I generi non muoiono mai, ed eventualmente il problema è che a ‘resuscitarli’ sia la mano di un genio, il tocco di un artista. Si veda, per esempio, il bellissimo Gli spietati (USA, 1992), in cui un Maestro come Clint Eastwood, proprio nel momento in cui sembra celebrare, con un film crepuscolare e ‘decadente’, la fine dell’epopea western, al tempo stesso ci dà un film perfetto, che di quell’epopea è una massima esaltazione. Così pure, non c’è nulla di male ad usare gli stereotipi – il Mito ne è pieno! – purché essi sfuggano alla bassa condizione della macchietta da caratterista e diventino simbolo ‘universale’. Tutte considerazioni, queste, evidentemente del tutto estranee, a chi ha concepito e messo in atto questo film (non è che la filmografia di Mangold sia precisamente infarcita di capolavori) in cui l’epos è assente in misura assoluta, e che addirittura irrita per la sua balordaggine. Non si sa da che parte cominciare. O forse sì: certo dalla sceneggiatura, che vola raso terra, tra banalità, stereotipi – appunto! – involontarie cadute nel ridicolo, incongruenze. Il bandito Ben Wade è “Il Bandito”: gentile con le donne, che gli cadono ai piedi come cachi, spietato coi traditori e i nemici, uomo d’onore con gli uomini d’onore; e per chi gli tocca la Mamma sono c**** amari. Dan Evans, l’eroe suo malgrado, è anche lui “L’Eroe-suo-malgrado”: pulito, semplice, onesto, che preferisce farsi ammazzare piuttosto di rubare un cent, che non avrebbe mai voluto essere lì dov’è, ma che ora che ci si trova ha un onore da difendere, e lo fa fino alla morte. Li accompagna nel loro viaggio verso l’appuntamento fatale (l’avrete visto tutti l’originale del 1957 di Delmer Daves, che ora si starà rivoltando nella tomba) un gruppo di comprimari abbastanza normali e prevedibili. Un’eccezione (in negativo) è il figlio di Dan, una figura all’insegna del battistiano “io vorrei, non vorrei, ma se vuoi”, che passa a corrente alternata dall’ammirazione per il Bandito a quella per L’Eroe-suo-malgrado, e non si capisce per quale mai ragione alla fine scelga il secondo, se non per la volontà incomprensibile del regista: “Mi hanno disegnato così” potrebbe ripetere anche lui con Roger Rabbit. Le avventure si susseguono – con una certa fantasia, bisogna ammettere – ma bisogna anche riconoscere che la sfiga di Wade, che cento volte arriva sul punto di riconquistare la libertà e altrettante fallisce per un pelo, è davvero troppa, e quando si arriva alla scena nella tenda degli operai cinesi è difficile soffocare una risata. Come pure è difficile non ridere durante la fuga tra le case di Contention, con questi due che, come un incrocio tra Batman e James Bond, sfuggono ad una inimmaginabile pioggia di pallottole; o ascoltando la frase: “Non durerei due minuti come capo di questa banda se non fossi marcio dentro”, che candidiamo immediatamente all’Oscar per la battuta più artificiosa e falsa che si sia sentita al cinema da decenni. E Wade? Wade che, dopo un assurdo dialogo finale, accetta di andare a farsi impiccare solo per permettere a Evans di dimostrare a suo figlio di essere “un uomo”? E che ammazza tutti appunto perché lui ‘ha capito’? Ma loro, poveri sfigati, come possono capire che lui ha capito?! “Ma mi faccia il piacere!” direbbe Totò. Da questa fiera dell’improbabilità, una sola figura emerge, prepotente, davvero epica, e nemmeno si capisce come sia andata a finire in un film così: l’aiutante di Wade, Charlie, il pistolero gay, l’unico Franti, l’unico vero vilain del gruppo, fatto come Dio comanda: perverso, feroce, spietato, crudele, beffardo, immorale ed amorale, intimamente malvagio. Un autentico ‘eroe negativo’, uno splendido personaggio – sembra scritto da Sergio Leone – per il quale viene immediato e istintivo ‘parteggiare’, splendidamente interpretato da Ben Foster, cui auguriamo miglior fortuna e miglior compagnia. Cosa aggiungere ancora. Russel Crowe e Christian Bale non interpretano i personaggi, ma semplicemente mettono in atto una gara di recitazione, in questo ennesimo ed inutile remake, a proposito del quale ancora una volta invochiamo, dalle Nazioni Unite, una Risoluzione: “E’ severamente proibito fare remakes”. Punto.

Nato nel 1912 e morto nel 2004, Fosco Maraini fu uno dei più grandi etnologi italiani. Amico e collaboratore del famoso orientalista Giuseppe Tucci, compì con lui due viaggi in Tibet, nel 1937 e nel 1949, dai quali trasse i materiali per uno dei suoi libri più celebri ed affascinanti, Segreto Tibet (Corbaccio Ed.). Da alcune sue pagine, ho voluto riportare il breve passo che segue, cui vorrei premettere solo alcune considerazioni schematiche, anche in considerazione delle polemiche sull’articolo di Massimo Fini “Io talebano”, pubblicato sul n. 1 de La voce del Ribelle (http://www.ilribelle.com/la-voce-del-ribelle/2008/10/9/ottobre-2008-anno-1-numero-1-anteprima.html). E’ evidente infatti – e le poche righe che seguono, scritte appunto da Maraini circa settant’anni fa, ne sono una conferma – che l’antimodernismo di Fini non esprime assolutamente una nostalgia irreale ed acritica di un passato che, in quanto tale, non può più essere riproposto, quanto puramente e semplicemente il rispetto delle tradizioni, della libertà culturale e dell’autodeterminazione di ogni popolo, cui nessun altro ha il diritto di imporre una ipotetica quanto inesistente superiorità ‘civile’. E’ questo un concetto tanto ‘elementare’ ed evidente quanto, purtroppo, decisamente estraneo all’Occidente, di qualsiasi parte ‘politica’ si parli. L’America – ‘la più grande democrazia al mondo’ – costruì le sue fondamenta nel sangue di decine di milioni di Amerindi; Stalin combatté ferocemente etnie e culture non omologantesi col ‘comunismo’; Mao Tse Tung diede il via al genocidio ed etnocidio del popolo tibetano di nuovo in nome dei principi socialisti; Iraq ed Afghanistan sono stati ridotti in macerie dall’Occidente per portarvi la ‘democrazia’; ed oggi una Cina sedicente comunista, in realtà grottesco contraltare orientale del più ottuso Occidente, sta compiendo l’opera. Ogni commento, appunto, è superfluo. Rimangono solo da leggere queste poche righe di Maraini, per rendersi conto di quanto fosse ‘barbarico’ il ‘Medioevo’ che è stato cancellato (le sottolineature sono mie): “I Tibetani, rispetto agli Europei delle classi meno fortunate delle grandi città, hanno mille ragioni di considerarsi più fortunati e più felici. Non sono forse ricchi, ma non sono neanche poveri; non hanno giornali, radio e cinema, ma hanno i cantastorie, i menestrelli girovaghi, il teatro popolare, e nella stagione buona possono andare in scampagnate lungo i fiumi a bere chang e a cantare fino a tardi nella notte; infine, vivono in una società profondamente stabile, dove le relazioni tra gli individui, fra gli individui e la comunità, tra l’uomo e l’universo sono saldissimi fatti, realtà su cui non si dubita in alcun modo. (…) Devo dire che i Tibetani mi sono parsi un popolo – per quanto si possa esserlo su questa misera terra – veramente felice. La felicità non dipende così necessariamente dalla struttura sociale o dal sistema di governo, come sembrano pensare i nostri contemporanei: è soprattutto una questione di equilibrio fra il mondo che circonda l’uomo e il mondo che egli porta nel cuore. Noi viviamo in un’epoca di squilibri terrificanti e saremmo infelici e miserabili sotto re, presidenti, papi o tribuni; aggregati in repubbliche o imperi, in soviet o in teocrazie. La nostra scienza ci propone un universo, la religione tradizionale ne propone un altro; i progressi della fisica e della chimica sono andati mille anni avanti a quelli delle scienze sociali e all’educazione del volere; l’Europa caput mundi sta vivendo le miserie del nobile decaduto; i canoni del vivere sono in uno stato di continua fluidità; gli ideali delle varie professioni, dei sessi, delle classi, delle età umane (elementi così importanti nelle società in equilibrio) subiscono una continua revisione: tutto muta, diviene, scorre. Nuovi equilibri a noi ignoti stanno forse preparandosi, ma vi troveranno qualche maggior pace generazioni di pronipoti. Siamo fra gli ingranaggi che girano. Qualcuno si salva: i più ne restano schiacciati“.

“Il cinema americano ha successo perché loro fanno bene i film. Noi facciamo bene la pizza”

R. Benigni

“Il cinema italiano è deprimente”

Q. Tarantino

“Un qualsiasi stupido film americano contiene sempre un insegnamento, a differenza di un qualsiasi artistico film inglese”

L. Wittgenstein

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Sabato 31 dicembre

Brigadoon (V. Minnelli, USA, 1954), 02.20, Rai1

Se anche non amate particolarmente i musical, dovete fare un’eccezione per questa poeticissima e malinconica storia d’amore, ispirata ad un’antica leggenda scozzese. Due giovani americani, in vacanza sulle Highlands per sfuggire all’alienazione della città, varcano inavvertitamente una porta magica che li conduce in un villaggio fatato, che per un incantesimo operato dal vecchio patriarca del paese si sveglia un solo giorno ogni cent’anni, proteggendosi così dall’influsso maligno del mondo circostante. Tra uno dei due ed una ragazza del villaggio scoccherà un amore così forte che riuscirà ad infrangere anche la forza della magia. Splendide coreografie ed una scenografia deliziosamente falsa per una storia che ancora commuove e incanta. Assolutamente imperdibile.

Dick Tracy (W. Beatty, USA, 1990), 17.15, Rai3

Dal fumetto-capolavoro di Chester Gould, che lo disegnò a partire dagli Anni Trenta (in Italia fu possibile leggerne alcune avventure su Linus negli Anni Settanta), un film-capolavoro, certo uno dei migliori che mai siano stati tratti da un fumetto, soprattutto per l’eccezionale fantasia grafica e fotografica che lo caratterizzano. Un gioiellino che raramente appare in tv. Imperdibile.

La pazza storia del mondo (M. Brooks, USA, 1981), 18.15, DT

La storia del mondo, delle sue miserie e delle sua canagliate, dalla preistoria alla Rivoluzione Francese, trasformata, come al solito dal geniale MB, in una goliardata anarchica ed irriverente. Imperdibile.

Domenica 1 gennaio

Big fish (T. Burton, USA,2003), 23.30, Rete4

Non capita spesso di vedere un film col groppo alla gola. Ma non perché lui ha lasciato lei, o perché lei si è abbandonata languidamente tra le braccia di lui. No: perché si è visto un film che ci ha commosso, che ha toccato corde intime e profonde dentro di noi, che ci ha donato bellezza e poesia. Così sarà, credo, per gli spettatori di questo capolavoro. La vicenda è presto raccontata. Il vecchio Edward Bloom – un sensibilissimo Albert Finney – sta per morire. Da molti anni aveva litigato col figlio, che gli rimproverava sia di essere stato ‘assente’ dalla sua vita e sia di aver raccontato a tutti un sacco di storie mirabolanti sul suo passato, tanto da impedirgli di ‘conoscerlo’ veramente. Ora il figlio ritorna, chiamato dalla madre – Jessica Lange, mai così tenera – ed accompagnato dalla giovane moglie incinta – Marion Cotillard, delicata e magica – si siede al capezzale del padre e gli chiede: ‘Dimmi chi sei veramente, raccontami la verità’. Ma che cos’è la verità e cosa sono i sogni, per Edward Bloom? Il padre risponde a suo modo, raccontando a tutti per l’ultima volta le sue storie meravigliose, mescolando ancora una volta verità e bugie – è possibile, in fondo, distinguerle? – e, come una sirena, affascinando tutti ancora una volta. La giovane e delicatissima nuora si siederà anche lei ad ascoltarlo rapita, e il figlio addirittura gli sarà vicino nelle ultime ore, e lo accompagnerà fino in fondo alla sua storia più bella. Con Big Fish, Tim Burton ci ha dato quello che è, senza ombra di dubbio il suo capolavoro. Molto è rimasto, qui, dei suoi film precedenti, e molto è stato lasciato per strada. Sono rimaste la poesia e la tenerezza degli affetti, l’affascinante bellezza dei sogni: ricordate Edward Mani-di-forbice e suo padre; invece, certi eccessi dark del, sia pur bellissimo, Tim Burton’s The nightmare before Christmas, si sono invece stemperati nelle delicate e tiepide brume che fanno da sfondo ad alcune delle scene più belle. Permettetemi, per concludere, una notazione personale. Ultimamente ho rivisto anche Le invasioni barbariche.  Entrambi i film parlano della perdita del padre, entrambi raccontano il tormento di un figlio che, negli ultimi momenti, cerca di recuperare il colloquio che non è riuscito a costruire durante tutta una vita. Mio padre è scomparso alcuni anni fa, e le parole che non gli ho dette, quelle che da lui non ho ascoltato, spesso ancora mi perseguitano. Andiamo a vedere questi dolcissimi film, e ricordiamoci di avere un padre. Assolutissimamente imperdibile.

Beetlejuice (T. Burton, USA, 1988), 10.30, Italia1

Praticamente agli inizi della sua carriera – questo è il suo secondo lungometraggio, e il suo primo film di successo – Burton maneggia già da quel maestro che è sempre stato le sua armi migliori: il macabro grottesco, l’ironia, la satira, il dark. Due giovani sposi muoiono in un incidente stradale poco prima di occupare la loro nuova e bellissima casa, che viene venduta ad una numerosa e scombinata famiglia. I due, nel loro nuovo ruolo di fantasmi, faranno di tutto per spaventarli e cacciarli via, ma non è facile nemmeno per dei fantasmi combattere degli snob. Geniale, irriverente e divertentissimo, da rivedere assolutamente.

Lemony Snicket (B. Silberling, USA, 2004), 14.35, Italia1

Uno di quei film di cui  ti chiedi: ma perché? Che vi abbiamo fatto di male? La storia è così così – tre orfani vengono perseguitati da un avido parente che vuole impadronirsi del loro patrimonio – ma comunque inferiore, dicono, ai libri da cui è tratta. I ragazzini che la interpretano sono due patate lesse (riesce a far meglio perfino la piccolina di un anno …): se dovevano essere la risposta americana a Daniel Radcliffe e Emma Watson, stiamo freschi. Certo, sono piacevoli il trasformismo di J. Carrey e la vecchia zia svampita di M. Streep, ma non bastano riempire il vuoto.

Lunedì 2 gennaio

Addio, Mr Chips! (S. Wood, GB, 1939), 02.15, Rai1

La prima versione – ‘perbene’, ma poetica e sognante – della vicenda dell’austero professore di college inglese che sposa una soubrette. Da non perdere, cercando di vedere anche il bel remake che H. Ross ne ha tratto nel 1969 col grande Peter O’Toole.

Martedì 3 gennaio

A love song for Bobby Long (S. Gabel, USA, 2004), 23.00, Rai3

Pursy, diciottenne, eredita la casa della madre, una cantante di New Orleans che non vede da anni, ma scopre che essa, per lascito testamentario, è occupata da un professore di lettere semialcolizzato e da un suo discepolo. Ostili all’inizio, i tre scopriranno poco a poco di essere strettamente legati, e troveranno la via ognuno del cuore dell’altro. Capolavoro di un’esordiente al Sundance Film Festival, altro raffinato e delicato personaggio ‘in levare’ della bravissima Scarlet Johansson (Lost in translation), grandissima interpretazione di John Travolta. Un film ‘intimista’ e poetico, da scoprire ed amare, assolutamente imperdibile.

Mercoledì 4 gennaio

Indian, la grande sfida (R. Donaldson, Nuova Zelanda/USA, 2005), 21.05, Rai3

La storia vera del neozelandese Burt Munro che nel 1967, con pochi soldi in tasca ma un insopprimibile entusiasmo, partì con la sua vecchia moto Indian per lo Utah, dove riuscì a stabilire dei record tutt’ora imbattuti. Il tutto cucinato sotto forma di una favoletta dolciastra dal buonismo insopportabile. Anthony Hopkins gigioneggia atrocemente: quasi quasi sono meglio i numerosi comprimari, davvero bravi.

Giovedì 5 gennaio

The hunted (W. Friedkin, USA, 2003), 21.00, DT

The Hunted è un noioso ed inutile remake di Rambo, (la storia del reduce di guerra impazzito per le violenze viste che può essere catturato solo dal comandante-padre che lo ha addestrato), ma con una differenza: che mentre Rambo (e soprattutto il libro da cui era tratto) era un’intelligente riflessione sul dramma dei reduci da una guerra imperialista, rifiutati da quella stessa cultura e da quella stessa ‘Patria’ che li aveva mandati a morire, qui ogni ipotesi di riflessione è stata scartata a priori, e rimane solo una storia, tra l’altro anche abbastanza loffia, che serve al massimo da passerella per permettere a Benicio del Toro di portare in giro il suo volto ‘sofferente’ (?). Non solo. Oltre all’intelligenza, per strada sono andati persi anche la logica e il buon senso, per cui assistiamo ad una gustosa serie di stupidaggini. Per esempio. 1) Il protagonista impazzisce perché ha visto le violenze in guerra o perché vede gli animali uccisi inutilmente dai cacciatori? Che cos’è: il braccio armato del WWF? 2) Particolarmente assurda è la figura dell’addestratore (povero Tommy Lee Jones, che spreco) e particolarmente comiche certe situazioni e certe sue battute. Intanto, è assolutamente illogico mostrarlo come uno che rifiuta la violenza (ma poi sbatte sul tavolo la faccia di un cacciatore ‘cattivo’), che non porta armi e che ‘ne diffida’, ma che poi sa insegnare le più raffinate, violente e crudeli tecniche di omicidio esistenti. Dove le avrà imparate: sui manuali Hoepli? Divertentissima, nella prima scena nel bosco, la battuta ‘L’assassino porta scarpe a suola liscia, come queste’: manca solo ‘Elementare, Watson’, e più avanti la battutaccia strappalacrime ‘Non riuscirete a prendere il mio ragazzo’ (il colonnello di Rambo si sarà rivoltato nella tomba). 3) Si capisce immediatamente che il ragazzo vuol farsi prendere e da suo ‘padre’. Ma allora, perché l’evasione? Perché il film deve durare circa due ore? Perché avevano già pagato il maestro di arti marziali e bisognava pur utilizzarlo? Per giustificare quel cavolo di citazione biblica? Penoso.

Venerdì 6 gennaio

Gli Aristogatti (W. Reitherman, USA, 1970), 21.05, Rai2

Uno dei rari cartoni che dovrebbero essere proibiti ai minori di diciott’anni – e forse anche ai maggiori – per il suo intollerabile contenuto di rozza misoginia. Qui i ‘maschi’ sono – of course – coraggiosi, eroici, sprezzanti del pericolo, audaci eccetera eccetera. Magari qualche volta anche un po’ prepotenti e arroganti. Ma si sa: “son ragazzi” direbbe Ezio Greggio. Le ‘femmine’ – of course ancora – vanno dal modello deficiente integrale al modello di lusso, la smorfiosa-scema-debole-inespertadellavita-che-ha-tanto-bisogno-di-un-maschio-con-gli-attributi-per-sopravvivere, cioè per essere moglie/madre, che è ovviamente l’unica cosa che una femmina può fare nella vita. La cosa più diseducativa da far vedere ad un bambino, maschio o femmina che sia.

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Inserisco questo commento per conto di un amico la cui connessione Internet è piuttosto precaria, e che per questa ragione mi ha pregato di farlo al suo posto. In calce i suoi dati personali.

1 – Il territorio rurale montano e pedemontano  del Nepal è coltivato principalmente a riso in terrazze che discendono a valle. Come sappiamo il riso si coltiva usando grandi quantità di acqua che da sempre l’Himalaya generosamente fornisce alle popolazioni che vivono ai suoi piedi.

Ho sempre ammirato queste terrazze, trovandomi di fronte ad un sistema ingegnoso per la coltivazione in collina. Frequentando le zone himalayane da circa 30 anni, penso di aver capito quale sia il problema legato all’acqua e non c’è bisogno di essere ingegnere per capirlo, bastano il buon senso e l’onestà intellettuale.

2 – Il territorio montano trattiene l’acqua e la rilascia lentamente e costantemente a valle, lungo tutto l’anno,  grazie agli alberi delle foreste che ne regolano il flusso graduale e naturale.

Le coltivazioni a terrazza erano state pensate creando un equilibrio tra l’esigenza della coltivazione e l’importanza della presenza degli alberi che regolano il flusso dell’acqua.

Purtroppo da troppo tempo ormai, le foreste himalayane, pre-himalayane e gli alberi attorno alle terrazze da coltivazione hanno subito un vergognoso e criminale disboscamento per rifornire il mercato industriale del consumo globale del legname. Noi dobbiamo sempre avere la possibilità di poter cambiare la camera da letto ed il salotto almeno una volta all’anno: chi se ne frega se il contadino nepalese si cucca lo smottamento della terrazza, a noi interessa il nuovo mobile alla moda.

Quando si tagliano in modo indiscriminato e senza controllo programmato le foreste, si sconvolge l’equilibrio del territorio ma soprattutto il terreno senza le piante non trattiene e non rilascia più l’acqua gradualmente, creando così smottamenti, distruggendo le terrazze e provocando a valle le a noi ben note frane e disastri connessi.

3 – Il Nepal dipende economicamente e tecnologicamente dall’India, che dista poche centinaia di km dalla capitale Katmandu. L’India e perciò il Nepal dispongono di tutte le tecnologie e competenze manageriali e professionali per realizzare qualsiasi opera idraulica.

Il fatto che questo non viene fatto ha a che vedere con il controllo, lo sfruttamento e la gestione delle risorse idriche da parte dei grossi gruppi industriali e centri di potere economico-finanziari a loro connessi.

L’acqua che dalle vette himalayane scende a valle rifornisce in pianura le prosperose industrie del boom economico indiano. I vari poteri che gestiscono l’acqua non hanno nessun interesse nell’organizzare la fornitura idrica delle comunità montane perché hanno bisogno di usare l’acqua a loro piacimento per le loro industrie e con questo obiettivo costruiscono un numero sconsiderato di enormi dighe fregandosene beatamente delle popolazioni, spesso tribali, che vivono nelle sfortunate aree dove si deve costruire la diga di turno.

4 – Nella valle di Katmandu, oltre alla fiorente (per pochi) ed inquinante industria del turismo, esiste l’industria del tappeto annodato a mano. Questi tappeti vengono spacciati come ‘tibetani’ ma in realtà l’85% della lana proviene dalla Nuova Zelanda ed il restante 15% da qualche pecora e capra nepalese. Forse non molti sanno che questi bei tappeti, che riforniscono i lussuosi negozi dei nostri centri commerciali, sono trattati con potenti coloranti chimici. Come tutte le lavorazioni industriali, anche quella del tappeto necessita di grandi quantità di acqua; si colorano così le lane, i tappeti vengono ripetutamente lavati e tutta la bella chimica finisce nell’acqua senza nessun tipo di depurazione, pronta per essere usata dal nepalese che “si accontenta” e dal contadino nepalese “mentalmente bloccato”.

Inutile dire che la gestione del mercato dei tappeti è in mano a pochi “amici” ed al nepalese che “si accontenta” non arriva nulla, nemmeno un gomitolo di lana, tanto meno le opere idriche e di depurazione per la comunità.

In nome del turismo e del suo indotto, i cinesi hanno pensato ad un modo efficace per “entrare” nel mercato nepalese, e hanno avuto una geniale idea: costruire una linea ferroviaria per unire Lhasa, capitale di quello che era il Tibet, a Katmandu, capitale del Nepal.

Una sorta di “TAV himalayana” che, come possiamo capire, distruggerà l’ecosistema himalayano. Chissà: forse i cinesi hanno bisogno di qualche giovane ingegnere italiano che dia loro consigli su come deviare un ghiacciaio perenne o un torrente in alta quota.

5 – Di questi tempi, in Italia ed in generale nel così detto mondo avanzato, si sta discutendo dell’importanza della gestione dei beni-comuni, di un modo nuovo  di gestire beni e risorse di vitale importanza per la comunità, per noi tutti. C’è l’esigenza di togliere la gestione di questi beni, come in questo caso dell’acqua, ai grossi gruppi privati di interesse politico-economico. Dobbiamo reimpossessarci di questi beni-comuni, non è più tollerabile che vengano usati, sfruttati ed inquinati: senza considerare che sono dei veri e propri patrimoni dell’umanità e che tutti devono averne accesso e diritto rispettando il loro uso e consumo ecologico.

6 – Negli insegnamenti del Buddha, che nacque in una foresta che ora fa parte del Nepal, si parla di Interdipendenza di tutti i fenomeni e di tutte le creature. Viene insegnato che la nostra vera felicità dipende al 100% da quella altrui. Bisognerebbe ritornare a questa considerazione fatta dal Buddha, forse anche lui come gli altri un “nepalese mentalmente bloccato”. Senza ricorrere alla saggezza razionale occidentale, il nepalese Buddha ha insegnato che la compassione, l’amore, il gioire delle felicità altrui e l’equanimità sono il bene-comune che ci porta alla vera gioia, alla vera felicità, ad un modo d’essere e di vivere che ha a che vedere con una profonda armonia tra tutte le creature ed il loro ambiente naturale. Se si guardasse alla saggezza di questo Mendicante nepalese, forse capiremmo che non c’è bisogno di rampanti ingegneri che vanno in terre esotiche ad insegnare cose che si sanno già. Sarebbe invece bello se un giorno qualche ingegnere andasse e ritornasse, confessando con onestà d’animo, che il nostro sistema industriale-finanziario ha creato profonde sofferenze, disperazione, fratture, conflitti sociali e diseguaglianze che ora minacciano anche le nostre comunità “avanzate”.

Sarebbe bello se qualche ingegnere tornasse avendo compreso che la profonda Saggezza di quei nepalesi che “si accontentano” potrebbe essere la forza che ci aiuta a trasformare noi stessi ed il mondo in qualcosa di migliore, in nome della vera condivisione dei beni-comuni e di una profonda comprensione della legge di Interdipendenza come annunciata dal nepalese Gotama il Buddha, il Saggio Vagabondo del Dharma che ha praticato l’ascesi nella natura, che si è illuminato sotto un albero nella natura, che ha enunciato il Dharma per il bene di tutti e che è dipartito sotto un albero nella natura.

Carlo Donini, fruitore di beni-comuni 

cardonini@gmail.com

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Anche in questo caso inserisco un commento per conto di un’amica, la cui connessione Internet è anch’essa piuttosto precaria, e che per la stessa ragione mi ha pregato di farlo al suo posto. In calce sono comunque disponibili i suoi dati personali.

Premettendo che spesso il Giornale di Vicenza, e non solo lui, storpia le interviste,  per cui bisognerebbe avere in mano la reale intervista,  la descrizione del Nepal che fa questo giovane ingegnere è per lo meno stupefacente. Mi reco spesso e da anni in Nepal per ragioni personali, e se è vero che alcuni poveri ragazzini di strada sniffano colla è anche vero che la maggior parte dei  bambini non lo fanno. Quelli che conosco io per esempio sono ottimi studenti, volonterosi e primi della classe e ottimi figli di ottimi genitori, per lo più poveri.

È vero che le condizioni della valle di Kathmandu sono caotiche, ma la colpa non è della gente bensì del loro governo, che non ha creato piani regolatori, che non inizia opere di infrastrutture, che distrugge quel poco che c’è di decente senza rimpiazzarlo per mesi e forse anni.

Osserviamo questo ingegnere che crede di essere il salvatore. Probabilmente  è  superpagato  per installare pompe supercare che costano al governo grandi cifre (più tutte le bustarelle annesse e connesse). Non so se queste pompe potranno funzionare bene anche senza l’ausilio della casa madre. Ne dubito, non perché i Nepalesi siano incapaci ma perché è un discorso di guadagno ulteriore per la ditta madre, che così può andare ad aggiustare  quando qualcosa si rompe e quindi guadagnare ancora (e via con altre bustarelle…)

Non capisco come si possa dire che i villaggi sono anche a 1000 metri di dislivello dalle fonti d’acqua! Se non sbaglio l’acqua scende dai ghiacciai  e così in modo naturale viene raccolta in rogge, ed ora in tubi, e portata ai villaggi, come si è sempre fatto! Ho fatto di recente un trekking e non ho mai visto pompe, perché semplicemente non ce ne era bisogno! L’acqua c’era e basta, forse non in casa ma nelle stradine del villaggio sì. Comunque, una cosa che mi ha sempre meravigliato è la capacità degli abitanti di non scoraggiarsi mai di fronte a qualunque problema  che può insorgere, tecnico o altro (a parte la tecnologia elettronica)  Chi dice che non sono capaci è un cretino. Siamo noi che quando abbiamo la macchina in panne, aspettiamo con le lacrime ed il telefonino in mano il meccanico e il traino!  Sfido chiunque a mettere le mani nella propria automobile moderna. Loro almeno ci provano a risolvere i problemi  e devo dire che riescono a superare difficoltà incredibili in luoghi incredibili.

Inoltre – e questo non viene MAI detto – bisogna fare grandi ricerche e stare bene attenti ad intervenire nella natura. Consiglio al giovane ingegnere di leggere il bellissimo libro di Vandana Shiva sull’acqua: le pompe messe dall’occidente in alcune zone hanno funzionato bene ma hanno praticamente desertificato  la risorsa ed ora giacciono nella sabbia e la gente non ha neppure la poca acqua che aveva prima. Ma voglio essere ottimista poiché l’acqua dell’Himalaya spero duri per sempre.

Per concludere  desidero riferire  un aneddoto vero  riportato in un libro sulla montagna nepalese, che ci dà l’idea che per fortuna non tutti i popoli hanno la mentalità predatoria , avida  e narcisista dell’Occidente.

Uno scalatore occidentale, avendo visto che il suo sherpa non aveva un cuscino per appoggiare la testa nella fredda notte nella tenda sulla montagna e avendone uno in più, lo offrì allo sherpa medesimo, ma questi cortesemente rifiutò. Di fronte allo sconcerto dello scalatore occidentale lo sherpa pazientemente spiegò:

“Vedi, se tu mi dai il cuscino io mi sentirò più a mio agio, e dormirò bene, ma quando te lo restituirò, perché è tuo, poi ne sentirò la mancanza e proverò desiderio per qualcosa che non posso avere. Inoltre, come potrei avere io qualcosa che i miei compagni non hanno ? Quindi è meglio che tu non me lo dia …”

Mitti Gulla, mitti48@tiscali.it

Nelle sue opere precedenti, con le quali pure aveva ottenuto esiti più che lusinghieri, egli ha sempre operato nell’ambito del ‘romanzesco’, scrivendo testi che erano sì immersi nel contesto storico di riferimento, ma nei quali la componente principale era costituita dalle vicende personali dei personaggi: ‘romanzi’ nel senso più proprio del termine.

Con “L’Ambasciatrice” la chiave narrativa muta profondamente. Le vicende familiari e personali diventano uno strumento – peraltro efficacissimo ed appassionante – per illustrare la Storia all’interno della quale esse accadono. I personaggi sono ‘persone’, ma al tempo stesso diventano figure simboliche dei grandi eventi nei quali sono immersi. Attraverso di loro parla la Storia.

Alla biografia di Emma Hamilton seguono dunque, nella stessa linea creativa, “La Signora con la lampada” (pubblicato nel 2010: una biografia di Florence Nightingale, 1820-1910) e finalmente, nel 2011, “Armenia”, un ottimo romanzo storico sul genocidio del Popolo Armeno perpetrato dalla Turchia durante la Prima Guerra Mondiale, un libro che, come nessun altro, riesce a disegnare il quadro complessivo che costituisce lo sfondo della vicenda armena, e a render conto limpidamente delle losche connivenze politiche, dei sordidi interessi economici, dell’ignavia e delle complicità che indussero il mondo a tacere mentre in Anatolia si consumava l’orrore. E se – naturalmente – nessun romanzo può sostituire un libro di Storia, tuttavia questo può essere un’introduzione perfettamente propedeutica alla conoscenza e poi allo studio di quel periodo e di quel dramma.

“La terra dei gelsomini” (Le souffle du jasmin) – ultimo romanzo di Sinoué, primo di un dittico intitolato “Insh’allah”, il cui secondo volume, Le cri des pierres, è in corso di traduzione – si pone sulla stessa scia compositiva. È, come ho detto, probabilmente il suo libro migliore. Certamente è il suo libro più meritorio. Se infatti criminale e colpevole è stato il silenzio complice che molti hanno voluto far scendere sul Genocidio armeno, non vi sono definizioni possibili per i delitti commessi contro i popoli Arabi – dal 1918, data della dissoluzione dell’Impero Ottomano, agli anni Cinquanta, quando, almeno formalmente, cessò l’influenza coloniale dell’occidente in Medio Oriente – ma soprattutto contro quello che tra tutti gli Arabi è il popolo-martire: il Popolo Palestinese.

Da secoli stanziato in Palestina, esso improvvisamente si vide espropriato della sua terra dall’immigrazione degli Ebrei. Caldeggiata sin dall’Ottocento dal Sionismo di Theodor Herzl (1860-1904) – che già nel 1896 aveva pubblicato Der Judenstaat, nel quale chiedeva agli Stati europei di creare uno Stato ebraico in Palestina, “dove gli Ebrei sarebbero stati l’avamposto della civiltà europea contro la barbarie mussulmana” (http://it.wikipedia.org/wiki/Theodor_Herzl) – essa si avviò concretamente solo nel 1917. In quell’anno, Lord Arthur James Balfour, Ministro degli Esteri inglese, scrisse una lettera a Lord Rotschild, principale rappresentante della comunità ebraica in Inghilterra e referente del Movimento Sionista. Nella lettera, divenuta celebre col nome di Donazione Balfour, egli dichiarava: “Il governo di Sua Maestà vede con favore la costituzione in Palestina di un focolare nazionale per il popolo ebraico, e si adoprerà per facilitare il raggiungimento di questo scopo”.

Una vergogna di fronte all’Umanità, che peserebbe sulla coscienza britannica, se quel Paese, con la sua tradizione di imperialismo, avesse dimostrato da tempo di non averne nessuna; una vergogna tanto più pesante in quanto Balfour ‘donava’ ciò che in nessun modo era suo. Uno squallido scambio, perché, come racconta Sinoué, pare che la donazione sia stata il frutto di un accordo tra il governo inglese ed un chimico ebreo, Haim Weizmann, che durante la Prima Guerra Mondiale aveva scoperto e regalato all’Inghilterra un procedimento sicuro per la fabbricazione e la stabilizzazione del TNT.

Negli anni successivi, centinaia di migliaia di Ebrei, su navi inglesi, raggiunsero così la Palestina, riducendo sempre più lo spazio vitale degli Arabi, espropriandoli poco a poco di terra ed acqua, costituendo bande criminale e terroristiche – l’Haganah e la Banda Stern – che ottennero col sangue quello che una formale ‘immigrazione’ ancora non era riuscita a fare. Fino alla Nakba, in arabo ‘la catastrofe’, il 14 maggio 1948, quando gli Inglesi, alla scadenza del loro mandato, si ritirarono dalla Palestina, e gli Ebrei, senza più nessun ipocrita controllo a trattenerli, espulsero in pochi giorni quasi 750.000 Palestinesi dalla terra e dalle case in cui vivevano da secoli. Nel 2010 il Parlamento di Israele, “la più grande democrazia del Medio Oriente” (!?), avrebbe emanato una legge che addirittura proibisce agli Arabi di commemorare quella tristissima ricorrenza.

Nasceva così, contro ogni straccio di diritto internazionale, lo Stato di Israele, e negli anni successivi innumerevoli sarebbero state le ‘leggende’ propalate per giustificarne l’esistenza, a partire da quella secondo cui gli Ebrei, impadronitisi delle terre, avrebbero fatto “fiorire il deserto”, mentre gli arabi – naturalmente pigri e ignoranti, secondo l’iconografia razzista che li riguarda – si sarebbero limitati ad un’economia di sussistenza.

Da quel giorno è cominciata, per il Popolo Palestinese, un’Intifada lunga ormai quasi settant’anni, costellata di migliaia di morti, che potrà aver fine solo quando verrà loro restituita la patria rubata.

Ma non soltanto di questo, naturalmente, racconta Sinoué. Parla degli appetiti dell’Occidente, che dopo il 1918 si precipitò a spartirsi la torta ottomana, farcita di petrolio. Della stupidità del colonialismo francese in Siria e in Libano, dell’ottusità del colonialismo inglese in Irak ed in Egitto. Parla dell’oggi raccontando lo ieri, di come quegli appetiti non siano finiti, ma abbiano solo cambiato volto e motivazione, e le tragedie che hanno distrutto l’Irak e devastato in questo ultimi mesi la Libia trovano qui un’illuminante spiegazione.

“La terra dei gelsomini” è non solo un ottimo romanzo storico, ma soprattutto, lo ripeto, un libro degno e meritorio, un libro che andrebbe letto nelle scuole, per fornire ai giovani – e purtroppo non solo a loro – gli elementi per comprendere una delle più grandi tragedie del mondo moderno.

Bon courage, Gilbert! Attendiamo con impazienza il secondo tomo.

Da: http://www.nuovavicenza.it/2011/12/voltar-foje-a-campo-marzo-o-della-disumanita-moderna/

“SEGRETO TIBET”, di Fosco Maraini, Corbaccio Editore. Ogni commento su questo libro, di grandissima fama e di enorme importanza, sarebbe superfluo. Le sue pagine sono un eccezionale documento artistico, culturale ed antropologico del Tibet dei tempi ‘felici’, quando la ‘modernità’ era ancora lontanissima da quelle montagne, e gli orrori del nazimaoismo ancora di là da venire. Oltre ai primi quattordici capitoli, dedicati appunto tutti al suo viaggio, di particolar pregio sono il XV° (Note sul Buddismo tibetano) ed ancor più il XVI° (Note sulla storia del Tibet), forse la miglior sintesi che abbia mai letto su un argomento tanto lontano e complesso. Da quest’ultimo capitolo, appunto, ho voluto proporre la lettura di alcune pagine, interessantissime ed illuminanti non solo perché testimoniano la barbarie dell’occupazione cinese in Tibet, ma soprattutto perché analizzano con grandissima competenza storico-antropologica la mentalità dell’occupante, e ci aiutano a capire nell’intimo la posizione politica e culturale della Cina, sia di quella di allora ma anche di quella odierna, nei confronti della questione tibetana. Leggete, inorridite, ‘compatite’ buddhisticamente, e fate tutto ciò che potete per la libertà del Tibet e del suo popolo. Come ha scritto tempo fa Majid Valcarenghi su “Re Nudo”, “a Pechino scientificamente è stato messo a profitto quello che il Nazismo aveva solo immaginato”.

LHA   GYAL   LO!

(Che gli Dèi siano vittoriosi!)

II°

<<L’indipendenza (1912-1951)

(…) Un personaggio come Mao Tse Tung diviene più facilmente comprensibile se lo si assimila ad una figura archetipica della storia cinese (…) cioè al Fondatore di Dinastia, (…) figura dal carisma irresistibile. Le dinastie, ricordiamolo, sono organismi durevolissimi, contando mediamente su due, tre secoli di vita. Inoltre in Cina non v’è alcuna chiesa od organizzazione ideologica capace di contrastare o di soppiantare al momento opportuno il Partito Comunista. L’identificazione tra Cina ideologica, Cina nazionalista, Cina imperialista, e dinastia, è totale. (…) Tale individuo eccezionale si leva sui contemporanei come una montagna, si trova al di là e al di sopra di ogni giudizio comune, e gode di un carisma più divino che umano, poiché dimostra, nella sua persona e col suo successo, d’aver ottenuto l’indefinibile benedizione del Mandato Celeste. Che in questo particolare caso si trattasse di un comunista, presumibilmente ateo, non ha importanza; gli archetipi non poggiano su basi razionali, funzionano nel profondo irrazionale, emotivo e segreto degli uomini, e si nutrono di occulte linfe del passato vicino e lontano. Che la dinastia appena iniziata si trasmettesse il potere per cooptazioni, elezioni o altro, invece che per seme ereditario, è circostanza contingente. Ciò che importava era che la nuova dinastia comportasse rigenerazione sociale profonda, da un lato, e riaffermazione della grandezza cinese dall’altro. Il Kuomintang aveva perso il mandato celeste perché lo si giudicava corrotto, debole, rinunciatario, troppo legato agli stranieri. I comunisti promettevano palingenesi sociale e grandeur per la patria. A loro andò il Mandato.

(…) La Cina considera suoi quei territori sui quali, in qualche momento della millenaria storia, ha esercitato una qualsiasi forma di sovranità. Era ovvio dunque che la nuova dinastia pensasse al più presto di riportare le bandiere, questa volta senza draghi ma con stelle, falce e martello, sui confini di tutte le regioni periferiche, compresi il Sinkiang e il Tibet, anche se abitate da genti diversissime dagli Han. Le contraddizioni profonde, stridenti, tra idea imperiale e idea comunista non si presentavano neppure alla soglia di quelle menti. La nuova dinastia era solo incidentalmente comunista, prima di tutto era cinese.

Il Tibet nelle mani della Cina (dal 1951 ad oggi)

Fin dal gennaio 1950, (…) il nuovo governo cinese rese pubblica la sua decisione di “liberare” il Tibet. “Liberare” il Paese delle Nevi? Ma se per la prima volta da due secoli esso era veramente, sostanzialmente, libero! Liberarlo dalla libertà, dunque? Se ci si riflette un istante era proprio questo il fine del programma d’azione. A parte le ataviche considerazioni di prestigio del Centro-Fiore[1], un Tibet libero sui fianchi, eventualmente aperto ad alleanze poco gradite, era da evitarsi in modo rigoroso: dunque occorreva liberarlo proprio dalla libertà. Per fare questo i cinesi completavano quell’ironico “liberare” con la frase “dalle influenze imperialistiche”. Ma da quali? L’Inghilterra si stava ritirando nell’arcipelago d’origine, e l’India aveva ben altri problemi a cui pensare. Si trattava insomma della più ipocrita montatura immaginabile.

(…) Dopo il 1953/54 il cielo cominciò ad abbuiarsi. Le prime scintille di un grosso fuoco a venire si notarono nelle zone orientali del paese, nel Kham, sia perché fu là che i cinesi dettero inizio alle più radicali riforme, sia perché i montanari di quelle province erano, per antichissima tradizione, i più insofferenti d’ogni giogo. In quegli anni la guerriglia tra i Kham-pa, gli Ngolok ed i cinesi prese aspetti di ferocia inaudita, con colpi di mano, vendette, distruzioni, torture, bestialità d’ogni genere da ambo le parti. (…) Il conflitto era, a tutti gli effetti, una guerra di religione, combattuta coll’accanimento di cattolici contro anabattisti o di mussulmani contro kafiri. Se da una parte stava una religione convenzionale, il buddhismo, dall’altra ne stava una che si proclamava non-religione, ma con religioso furore. Essere anche moderatamente ricco equivaleva a peccare non contro gli Dei, ma contro il dio-popolo; quindi il colpevole andava denudato d’ogni avere, e se resisteva un tantino, distrutto. I lama peccavano in quanto consumavano senza produrre, dunque per loro valevano i medesimi principi. I templi, i monasteri andavano sconsacrati, sguerniti d’ogni inutile cianfrusaglia, adibiti a stalle, caserme, granai, officine. I bambini andavano tolti ai genitori, se questi mostravano il minimo segno d’eresia; venivano allora inviati in Cina per essere rieducati in un’atmosfera “più sana”.

(…) Le famose riforme, che avrebbero dovuto realizzarsi gradualmente tenendo conto delle particolari  condizioni sociali e religiose del mondo tibetano, secondo lo spirito dell’Accordo dei 17 articoli, vennero invece adesso attuate di colpo e nel modo più radicale, fin dal giugno del ’59. Si riesaminarono ovunque i diritti di proprietà fondiaria, immobiliare, del bestiame, con pura e semplice confisca per coloro che in qualche modo erano stati collegati con la ribellione, con varie forme di compenso (più teorico che reale) per gli altri. La società tibetana fu completamente sconvolta, profughi a decine di migliaia cominciarono a varcare i colli dell’Imàlaia cercando rifugio in India, nel Bhutan, nel Nepal, spesso in condizioni disastrose. Non solo i ricchi erano presi di mira, lo erano anche i piccolissimi proprietari: e lo erano, con maggior durezza, si capisce, i monasteri. (…) [Per queste tragedie, la Cina] si giustificava cogli argomenti ben noti dei colonialisti d’un tempo, quelli che sentivo da ragazzo quando l’Italia era impegnata in Libia, in Eritrea, in Etiopia, in Somalia: “Ma vedi, noi portiamo la pace, la sicurezza, il benessere, costruiamo strade, ferrovie, campi d’aviazione, insegniamo ad usare la luce e il telefono, costruiamo ospedali, scuole, fabbriche, mettiamo gli indigeni al corrente di un’agricoltura moderna, scientifica, meccanizzata”.

(…) Ci si trova di fronte al fatto fondamentale: che la libertà di un popolo è un bene al di là e al di sopra di ogni prezzo, d’ogni baratto. Un bene che nessuno ha il diritto di alienare. E’ uno dei grandi paradossi della nostra epoca che il mondo “capitalista, reazionario, imperialista” abbia ormai riconosciuto in pieno questo principio da quasi mezzo secolo, agendo di conseguenza. Tutti i suoi imperi coloniali d’un tempo sono stati smantellati, smembrati, dissolti. Restano in piedi solo quelli del mondo cinese “socialista e  progressista”, il quale, con i suoi bei discorsi, le sue belle colombe della pace, agisce in pratica ancora come le vituperate potenze coloniali del secolo scorso.

Bisogna inoltre tener presente che il giogo coloniale cinese è particolarmente pesante, per antichissime, millenarie tradizioni. (…) Il nucleo Han di duemila anni or sono è andato via via espandendosi nei secoli sinizzando costantemente nuovi gruppi etnici. Dopo due, tre, dieci generazioni i barbari d’un tempo si erano finalmente trasformati in gente come si deve, civile, piano piano assimilati agli altri cinesi Han. Il tempo di queste operazioni conta poco. I cinesi sanno essere immensamente stabili. Il tempo si misura a ere geologiche. La Cina si costruisce a stratificazioni oceaniche.

L’opera di sinizzazione è naturalmente fondata sul concetto di una superiorità intrinseca, assoluta, della civiltà cinese su ogni altro consimile frutto dell’evoluzione umana. (…) Al centro stava la Cina (“Il Centro-Fiore”), depositaria d’ogni valore civile, attorno si disponevano i barbari. (…) I cinesi come colonialisti mirano tutti per istinto profondo, per tradizione etnica, a sinizzare: quindi esercitano una pressione sottile, continua, involontaria, perché i “barbari” abbandonino i loro modi grezzi e zotici di mangiare, vestire, per adeguarsi ad abitudini e costumi più metropolitani e di maggior rispetto. Occorrono cento, duecento anni? Che importa? Cosa sono dieci, quindici generazioni nella nostra millenaria storia!

(…) Si presentò all’orizzonte un’altra terribile tempesta: quella della Rivoluzione Culturale. E’ vero che essa fu mostruosa anche in Cina, ma in Tibet ebbe risvolti forse ancor peggiori, sia per l’isolamento del paese, sia per quel fondo di sciovinismo culturale sinico, che trovò libere le redini sul collo e poté scatenarsi a suo piacimento. La Rivoluzione Culturale si fondava sull’idea maoista della “rivoluzione perenne”, sulla necessità d’una distruzione del vecchio per una futura ricostruzione del nuovo. Ficca certe idee elementari nelle teste di ragazzotti già nerboruti di muscoli, ma parecchio crudi di pensiero e informi di sentimenti, e vedrai che anche gli Uffizi, il Prado e il Louvre possono trovarsi in pericolo.

Le famigerate Guardie Rosse iniziarono le loro attività a Lhasa nell’agosto del 1966. Già un mese prima alcuni fanatici erano arrivati dalla pianura portando il nuovo verbo di Mao. In poco tempo si costituirono due grosse bande nella città. (…) In gran parte si trattava di giovani cinesi che lavoravano nelle nuove fabbriche costruite a Lhasa e nelle vicinanze, ma si dice che anche parecchi ragazzi tibetani s’aggregassero alle masnade. Quasi tutti erano giovanissimi, però alcuni almeno dei capi erano più anziani. Lhasa venne messa sottosopra: La si tappezzò tutta di bandiere rosse, di striscioni con citazioni di Mao; poi si rinominarono strade, piazze, incroci, sostituendo ai termini antichi, che avevano connotazioni religiose, altri più “rivoluzionari” (toponomastica come appropriazione!). L’abitudine tibetana di scambiare sciarpe bianche venne giudicata “reazionaria”; no, ci volevano sciarpe rosse. E fin qui poco di male, erano manifestazioni di esuberanza giovanile abbastanza innocenti. Poi cominciarono i processi, le parate dei condannati alle umiliazioni lungo le strade, le perquisizioni delle case con ricerca di oggetti religiosi “proibiti”, con seguito di violenze contro chi li possedeva.

Una volta lanciate, queste bande di giovani si sentirono padrone del Tibet; tenendo il libretto rosso delle massime di Mao in una mano, salivano sugli autocarri e si dirigevano verso i monasteri, dove poi si scatenavano in orge di distruzione. Se i pochi monaci rimasti non fuggivano, o peggio tentavano di opporsi agli insensati vandalismi, rischiavano di lasciarci malamente la pelle. In quanto alle immagini sacre, venivano fracassate, pestate, sfasciate, bruciate con la voluttà dell’invasamento fanatico. Esiste una fotografia presa di nascosto di una cappella del Norbhu Linka dopo una di queste spedizioni: la stanza sembra una “macelleria di Buddha”, vedi lì ammucchiate braccia, teste, aureole, mani, busti. Insomma, non è più distruzione pura e semplice, è patologia. (…) Ci si domanda come degli esseri umani possano essere caduti così in basso. (…) Nove decimi delle testimonianze della civiltà tibetana sono ormai cenere e polvere. (…)

Gli anni Ottanta e Novanta di fine secolo

(…) Un formidabile testimone del periodo che va dal ’59 al ’92 deve riconoscersi nel monaco Palden Gyatso (di confessione Gelugpa), la cui autobiografia (Tibet, il fuoco sotto la neve, Sperling & Kupfer, 1977) comprende il racconto d’un trentennio circa di detenzione nelle varie prigioni che costellano il Tibet, disegnandovi un paesaggio da vero Gulag, degno dei peggiori tempi sovietici. (…) Attraverso il suo scritto, sempre sobrio, un testo in cui l’eroismo dell’autore e di molti suoi compagni non viene mai enfatizzato o retorizzato, anzi compare quasi di soppiatto, in sordina, venendo scoperto talvolta casualmente dal lettore, traspare chiarissima la perfidia dei cinesi, i quali, ad un livello elementare, brutalizzano i tibetani perché fedeli al Dalai Lama, o per altre ragioni consimili, ma poi, ad un livello più sofisticato e sottile, cercano di dividerli in numerosissime categorie, in modo da poterle, con manovre machiavelliche, manipolare l’una contro l’altra a proprio vantaggio.

Una classifica basilare separò, fin dal 1959, i tibetani in gente “dalle radici buone” e gente “dalle radici cattive”. Alle prime appartenevano i nullatenenti, i fittavoli, i pastori e semplici custodi di bestiame, i manovali e simili, ma bastava il minimo possesso di terra, di bestie, bastava essere titolare di una pur misera bottega artigiana, come bastava qualsiasi legame con le classi abbienti, o peggio con l’aristocrazia d’un tempo, perché la notazione di “radici cattive”, una volta notata sui documenti ufficiali, seguisse il malcapitato sempre ed ovunque. In altre parole, prese forma una sorta di razzismo sociale, con la creazione di caste favorite dal potere o, viceversa, di altre dal potere aborrite.

(…) Palden Gyatso ed altri suoi compagni, definiti come “colpevoli grossi” [vennero torturati] facendo ampio uso del nefando manganello elettrico, una delle più diaboliche invenzioni cinesi: un bastone da infilarsi in bocca, in gola, nello stomaco, nell’ano del martire (e nelle vagine delle monache) causando dolorosissime bruciature. (…) Ai condannati a morte per varie forme di resistenza ai cinesi (…) venivano tagliate le corde vocali, perché all’ultimo istante non gridassero frasi inneggianti ad un qualsiasi valore ideale.

(…) Non per scusare i cinesi, ma per cercare di capirli nella loro bestialità, occorre tener conto che, per millenaria tradizione culturale, essi si sentono investiti del sacro compito di civilizzare il barbaro, di renderlo presentabile, simile agli Han, di liberarlo dalle sue superstizioni e dalla sue rozzezze. In simile quadro ogni mezzo è lecito, stante “l’altezza”, e per loro addirittura “la nobiltà”, del fine. Nei tibetani i cinesi trovano il barbaro più ostico, più difficile a piegarsi, più fortemente asserragliato in sue concezioni originali del mondo, della società, della vita: quindi maggiore e più terribile è la furia della repressione. (…)

Le azioni di forza guidate dalle religioni sono sempre state le più odiose della storia. I russi d’un tempo, come i cinesi d’oggi, si dichiarano atei: ma anche l’ateismo può rivelarsi propulsore di perfidie, motore di crudeltà imperdonabili.

(…) Intanto il potentissimo rullo compressore della sinizzazione forzata continua imperterrito il suo corso, schiacciando senza pietà ogni traccia d’una civiltà millenaria. Si calcola ormai che Lhasa abbia più residenti cinesi che tibetani. Naturalmente la lingua parlata, anche dai tibetani, se hanno la minima ambizione di farsi avanti, è ormai il cinese; il tibetano è disceso al malinconico rango di lingua provinciale, di dialetto. E compaiono sempre più frequenti le scritte verticali, vergate in ideogrammi, a sostituire le eleganti frasi tracciate in sillabe della lingua di Milarepa o di Thonmi Sambhota, antica di un millennio e mezzo. A scuola i programmi prevedono qualche ora di tibetano, ma esse vengono impartite da maestri e da professori cinesi, la cui pronuncia lascia ovviamente molto a desiderare.

Una delle armi più spregevoli, tra quelle impiegate dai cinesi nel loro piano di genocidio culturale dei tibetani, consiste nell’apertura di sezioni a luci rosse nei quartieri nuovi della città. Ma sì, baldi giovani tibetani, sguazzate tra vini e prostitute, drogatevi liberamente, così ci libererete più presto della vostra insopportabile presenza!

(…) Con quali occhi guardare oggi al futuro del Tibet?

Esiste qualche speranza per il “Paese delle Nevi”, per la patria di Milarepa e di tanti altri eremiti poeti che hanno lasciato tracce da segnarsi nella letteratura mondiale, tra i grandi visionari, i grandi illuminati?

(…) Se leggiamo il testo di un importante documento (Schema per lo sviluppo economico e sociale della Regione Autonoma del Tibet, riguardante il piano quinquennale 1996/2000, e nella prospettiva a lungo termine, mirante all’anno 2010, (…) 7 giugno 1996), ci sentiamo raggelare il sangue nelle vene.

Il piano mira freddamente all’integrazione totale dell’economia e della vita sociale e culturale tibetane nell’alveo dell’economia e della società cinesi. Con lucido darwinismo antropico, si prevede che i tanti proprietari agricoli del paese se la vedranno tra di loro, con una serie finale di accorpamenti fondiari redditizi. Nel processo resteranno schiacciati, eliminati, moltissimi contadini che non saranno riusciti ad ingrandire le proprie terre sino alla soglia minima della funzionalità economica. (…) Il documento considera tale circostanza del tutto favorevole. I contadini in soprannumero migreranno verso le città, nel frattempo ingrandite e razionalizzate, e forniranno mano d’opera preziosa a basso costo per le industrie medie e piccole nascenti o in via di sviluppo.

Per i nomadi è previsto qualcosa di simile, mirando a trasformarli in allevatori e produttori di carni, a ritmo molto più serrato dell’attuale. In Tibet, secondo questo ed altri documenti, vi dovrebbero essere circa 23 milioni di capi di bestiame. Insomma, il Tibet dovrà diventare uno dei più grandi centri di produzione di carni macellate, fornitore in tal senso dell’intero territorio cinese.

Fino ad ora i nomadi tibetani (…) sono vissuti in una sorta di idilliaca armonia con le loro mandrie, cedendo al mercato soltanto le bestie pienamente adulte, rispettando almeno idealmente e nelle forme religiose quell’unità tra uomo e animale sottolineata dall’espressione “esseri senzienti” (sem-chen) che comprende tutti e due. Ma se gli estensori del piano predetto fanno sul serio – e trattandosi di un rapporto coloniale sui tibetani non v’è ragione di attendersi ripensamenti o concessioni speciali – i nomadi tibetani dovranno trasformarsi in allevatori di bestie da abbattere appena raggiunti certi pesi stabiliti per legge, senza riguardo all’età. Rapporti personali tra nomadi ed animali? Ma via, dove siamo! I sognatori dovranno adeguarsi alle necessità del XXI° secolo. O lasciarsi schiacciare.

Concludendo: la questione tibetana

(…) I cinesi, si direbbe, sono semplicemente rimasti indietro nell’evoluzione della civiltà. Se i precedenti storici avessero valore probatorio per giustificare l’occupazione di territori altrui, il mondo cadrebbe in una rivoluzione terribile e perenne.

(…) L’occupazione del Tibet da parte della Cina fa parte di un quadro superato della storia mondiale, quello delle conquiste imperialiste e dei domini coloniali, perciò può mantenersi soltanto con la cruda forza, priva di ogni legittimità. E il comportamento bestiale dei cinesi nei riguardi dei tibetani fa talvolta supporre che essi avvertano oscuramente il male sostanziale dell’occupazione nel profondo delle loro coscienze.

(…) In teoria dunque i tibetani hanno i più sacrosanti diritti ad aspirare ad una piena indipendenza. Anche se, in questo fiale scorcio di secolo, si affaccia alla mente dell’osservatore un dubbio orrendo. Certo, il Tibet possiede una cultura, una civiltà profondamente diversa da quelle della Cina. Ma purtroppo, per quanto tempo ancora sarà vero tutto ciò? L’opera brutale, sottile, onnivora, continua, di sinizzazione si protrae ormai da quarant’anni, ed è perciò molto avanzata. Inoltre, un brutto giorno, non c’è scampo, anche il Dalai Lama dovrà morire. La sua successione  probabilmente porrà in luce due candidati alla XV reincarnazione: uno grato alla diaspora tibetana, ed uno prescelto dalle autorità di Pechino. E’ ovvio che a contare davvero sugli altipiani sarà la pedina cinese. Allora i nuovi padroni avranno in mano non solo i corpi dei tibetani, ma ne potranno manipolare anche le anime.

Non vorrei terminare queste pagine, iniziate nel 1950 con tanto giovanile entusiasmo, su di un tono così lugubre. Cosa possono fare, oggi, i sinceri amici del Tibet? Battersi per una meta limitata ma possibile: quella che consisterebbe nell’ottenere che l’autonomia del Tibet si realizzi nel modo più completo possibile. Far sentire ai cinesi che esiste un’opinione politica mondiale, una pressione in favore del rispetto di quegli accordi in 17 punti proposti e firmati nel 1951. Le Tibet libre, come Le Quebec libre di De Gaulle, è forse slogan di utopisti: ma le Tibet autonome no. Con questo fine in cuore, facciamo sentire per quanto è possibile la nostra voce!>>.

Fosco Maraini

“Il cinema americano ha successo perché loro fanno bene i film. Noi facciamo bene la pizza”

R. Benigni

“Il cinema italiano è deprimente”

Q. Tarantino

“Un qualsiasi stupido film americano contiene sempre un insegnamento, a differenza di un qualsiasi artistico film inglese”

L. Wittgenstein

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Sabato 24 dicembre

Cristallo di rocca (M. Zaccaro, Italia, 1999), 02.30, Canale5

Va bene che a Natale siamo tutti più buoni, ma niente giustifica la riprogrammazione di questa ignobile ciofeca. Merita dunque una segnalazione, per essere additato al pubblico ludibrio, questo film tratto da un racconto di Adalbert Stifter (1805-1868), uno dei più poetici e delicati autori tedeschi dell’Ottocento, qui vergognosamente massacrato a livello di trama, ambientazione e clima artistico. Correte in libreria, regalatevi il libro per Natale (Pietre colorate, Adelphi Ed.) e spegnete la tv.

Il mago di Oz (V. Fleming, USA, 1939), 14.20, DT

Nelle sperdute pianure del Kansas, la piccola Dorothy vive con gli zii ed il cagnolino Toto. Ma un tornado la porta lontano lontano, nel paese del temibile Mago di Oz, dove incontrerà due streghe e tre bizzarri amici – lo spaventapasseri senza cervello, l’uomo di latta senza cuore e il leone senza coraggio – assieme ai quali vivrà magiche e commoventi avventure, prima di poter tornare a casa. Sarà successo davvero o avrà sognato? Una favola dolcissima ed affascinante. Assolutamente imperdibile: tutti davanti alla tv coi bambini, cantando assieme a loro Over the rainbow.

La Passione (C. Mazzacurati, Italia, 2010), 01.00, DT

Carlo Mazzacurati è uno dei più grandi registi italiani (e la lista difficilmente supererebbe le dita di una mano), uno di quelli che anche quando raccontano storie minime (non ‘minori’, ché di storie minori non ne esistono) non parlano del proprio ombelico, né raccontano il proprio incomparabile Ego, ma prendono spunto da storie qualunque di gente qualunque per narrare a tutti di sentimenti ‘universali’, tanto importanti quanto semplici ed elementari. Dopo il bellissimo La giusta distanza (Italia, 2007), disincantata tranche de vie sulle malattie dello spirito che il trionfante Nord-Est nasconde dentro di sé, qui egli torna alla ‘commedia’, ma attenzione: non quella culi-tette-rutti-scoregge che tanto piace alla maggioranza degli italiani, e su cui pseudoregisti (appunto) e pseudoattori hanno costruito le loro fortune, bensì una commedia malinconica e garbata, mite, che degli esseri umani racconta sì le miserie, ma anche la dignità e la nobiltà nascosta. Vorremmo dire una specie di Germi (Signore e signori), senza la sua sacrosanta e scandalizzata indignazione, sostituita da una profonda pietas. Questa volta l’antieroe di Mazzacurati è Gianni Dubois, ‘grande’ ex regista, nel senso che da cinque anni non fa un film, sprofondato com’è in una terribile crisi d’ispirazione. Lo incontriamo in un pessimo momento. Da un lato, una giovane stellina di fiction televisive ha deciso di far fare un salto di qualità alla propria carriera chiedendo di essere diretta proprio da lui in un nuovo film, e lo perseguita continuamente per sapere se ha avuto una buona idea. Dall’altro, il suo produttore – venale e volgare – fiuta l’affare, e anche lui lo perseguita ossessivamente perché si decida a scrivere questo film. Dietro a tutto sta la ‘catastrofe’. In un appartamentino che Gianni possiede in un paesino della Toscana, e di cui non si è mai curato, si verifica una fuga d’acqua, che devasta un preziosissimo affresco nella sottostante, antica chiesetta. Col paese Gianni non ha mai avuto nessun legame, e viene visto come un estraneo profittatore e portatore di rogne, per cui Sindaco e Consigliere lo mettono vigliaccamente di fronte ad un semplicissimo ricatto: o lui accetterà di mettere in scena la sacra rappresentazione della Passione di Cristo per la Pasqua imminente, o verrà denunciato alle Belle Arti, e la sua reputazione di artista ‘impegnato’ verrà distrutta. Continuamente ‘distratto’ dalle proprie fantasie, continuamente alla ricerca della vena perduta, Gianni quasi si lascia scorrere addosso il tempo e gli eventi, ma ad aiutarlo capita – vero deus ex machina: teatro nel teatro – Ramiro, un ex detenuto, che anni prima ha frequentato un suo seminario di teatro a S. Vittore e che lo venera come un Maestro. Ramiro assume tutti i ruoli: aiuto regista, assistente al casting, trovarobe … ma ha dimenticato i suoi trascorsi criminali, e quando la polizia comincia a cercarlo per una pendenza non saldata, è costretto a scomparire. Manca un giorno alla Pasqua, e la mente di Gianni è ‘altrove’: chi lo salverà ora dalla rovina? Una storia minima, come si vede, e forse perfino abbondantemente inverosimile. Eppure, niente è inutile e sciocco, in questo film. Ogni personaggio esprime sentimenti veri e semplici: la stanchezza esistenziale di Gianni, la solitudine umana ed affettiva della barista polacca, l’amicizia bellissima ed ingenua di Ramiro. Anche la grettezza del Sindaco e del suo amante, sono vere e ‘normali’, come pure la stupida supponenza del ‘grande attore’ chiamato ad impersonare il Cristo. In ognuno di loro ci possiamo riconoscere, o confrontare, ognuno di loro ci parla, ci insegna, ci racconta verità semplici e quotidiane. Si ride, ma si ride di noi stessi, e di noi stessi si piange: de te fabula narratur. Il cast andrebbe elencato nome per nome, tanto ognuno è semplicemente perfetto nella sua parte. Silvio Orlando è Gianni, confuso e buono; Giuseppe Battiston – attore icona di Mazzacurati – è il meraviglioso ed ingenuo Ramiro, che mette a rischio la propria libertà per l’amico; Corrado Guzzanti è un odioso ‘grande attore’; Kasia Smutniak è una delicata e sognante ragazza polacca; Stefania Sandrelli – qui, diversamente dal solito, bravissima e misurata – e Marco Messeri sono il sindaco e la sua anima nera, deliziosamente meschini e ‘cattivi’. Un gioiello, insomma, come tutto quello che esce dalle mani di Mazzacurati, che – of course – non è stato selezionato a rappresentare l’Italia all’Oscar, essendogli stati preferiti sentimenti più ‘semplici’ e commerciali. Che almeno il pubblico gli renda l’onore che merita.

Domenica 25 dicembre

L’ultima legione (D. Lefler, USA/Italia, 2007), 21.05, Rai3

Dev’esser proprio vero che da un bel romanzo d’avventure è difficilissimo, se non impossibile, tirar fuori un bel film: perché l’aspetto ‘filmico’ della storia è già contenuto nelle pagine – se di grandi pagine si tratta, appunto – e diventa impossibile ‘fare meglio’. Stanno a testimoniarlo gli innumerevoli film tratti da Dumas – tutti delle ignobili ciofeche, noiose esibizioni di cappa e spada – ma soprattutto certe pagine dello stesso Dumas (l’esecuzione di Milady in riva al fiume, nei Tre Moschettieri), già in sé così potentemente visionarie da essere insuperabili. Conviene inventarsela, l’avventura, e così si avranno, per esempio, dei piccoli capolavori come Il prigioniero di Zenda (R. Thorpe, 1952), quasi un archetipo del cappa-e-spada, o il magnifico King Arthur (A. Fuqua, 2004). Sì, perché purtroppo è praticamente impossibile guardare L’ultima legione senza confrontarlo mentalmente col capolavoro di Fuqua – quasi un poema epico sul mito di Artù – ed è altrettanto impossibile non schierarsi incondizionatamente per quello contro questa ridicola storiellina per bambini. Il confronto purtroppo è d’obbligo perché la vicenda che raccontano proviene dallo stesso bacino immaginario: là la nascita della leggenda arturiana, qui addirittura i suoi prodromi, collocati all’epoca di Romolo Augustolo, l’ultimo Imperatore romano deposto da Odoacre nel 476 d.C. Ma, evidentemente, le cose bisogna sentirle dentro, e mentre il film di Fuqua turba, emoziona e commuove per il suo contenuto epico ed eroico, qui evidentemente il tema non era nelle corde del buon Lefler (ma chi c**** è?!), che ci confeziona una storiellina insipida e sciocca, una specie di ‘Fantaghirò Parte Seconda: la Vendetta’, senza il minimo afflato emotivo e senza nessuna parentela ‘culturale’ col materiale che sta trattando. Si ride per non piangere, di fronte all’ambientazione (trucchi di serie z), alle scene di battaglia (non c’è una volta che le spade si macchino di sangue: guardare per credere!), ma soprattutto alle performances attoriali (si fa per dire). Ben Kingsley interpreta un improbabile e assurdo Merlino. Aishwarya Rai può darsi che possa dire qualcosa nuda, senza quella grottesca tunica di castità con cui esce dall’acqua: ma così com’è, col suo bel faccione da Bollywood, truccato e immobile come una maschera di Carnevale, è inesistente. Per non parlare del piccolo T. Sangster, il quale doveva essersi preparato per interpretare Billy Elliot 2: la vendetta, e che ispira tenerezza per la buona volontà, purtroppo non compensata da risultati adeguati. Non ci sarebbe altro da dire, se non che non si capisce la ragione di tanto sfregio inferto ad uno dei migliori romanzi di Valerio Massimo Manfredi, grande e unico scrittore italiano ‘di avventura’, che coi suoi libri, tanto avvincenti quanto colti ed intelligenti, sta rinverdendo una tradizione che ha in Salgari il suo illustre padre fondatore. Ci dispiace davvero per lui, e per l’occasione sprecata.

Sette spose per sette fratelli (S. Donen, USA, 1954), 15.00, Rete4

Divertentissimo, commovente, sentimentale, meravigliosamente ‘falso’ e deliziosamente stereotipo. Un capolavoro assolutissimamente imperdibile.

Francesco (L. Cavani, Italia/Germania, 1989), 21.00, DT

Dopo la morte di Francesco, i suoi compagni ne raccontano la vita e il ‘dramma’ esistenziale e religioso. Un bellissimo film, aspro e ‘rozzo’, povero e disadorno quanto essenziale nella ricerca, uno dei (non molti) capolavori di Liliana Cavani. Imperdibile.

Piramide di paura (B. Levinson, USA, 1985), 21.10, DT

Delizioso pastiche doyliano in un rarissimo passaggio TV. Sherlock Holmes e John Watson, ancora adolescenti e già amici, si imbattono casualmente negli oscuri maneggi di una setta di pazzi che si rifanno alle divinità dell’antico Egitto. Misteri, inseguimenti, trabocchetti, colpi di scena: un feuilleton di qualità, divertente e intelligente. Da non perdere.

E.T. (S. Spielberg, USA, 1982), 21.20, DT

Melensa, dolciastra, insopportabile oltre ogni misura, ‘disneyana’ nel senso peggiore del termine, la favoletta dell’extraterrestre buono che cade sulla Terra, e viene aiutato da un bambino – buono, of course – a tornare sul suo pianeta. Oltre ad essere, quella dei dischi volanti, una fissa di Spielberg, questa è anche una delle tante boiatine in cui ha spesso disperso il suo indubbio talento.

Ben Hur (W. Wyler, USA, 1959), 21.00, Sky

Charlton Heston sarà stato anche un reazionario, ma non ci si stanca mai di rivedere questo capolavoro, che definire un peplum è davvero offensivo e riduttivo. La battaglia navale o la corsa delle bighe sono momenti conosciuti da tutti, ma vi invito a considerare un episodio apparentemente insignificante. I soldati romani stanno conducendo la colonna di schiavi alle galere, e si fermano a bere ad un pozzo. Un centurione, per ordine di Messala, allontana violentemente la ciotola dalle labbra riarse di Ben Hur, ma Gesù, che non viene mai inquadrato (!), la raccoglie e glie la porge di nuovo. Il centurione fa per reagire, ma si blocca. Guardate con attenzione il suo volto: esprime il timore ‘panico’ di chi si trova di fronte al Divino, che – data la malvagità e la ‘povertà’ del suo animo – gli è impossibile riconoscere e comprendere, ma che tuttavia lo annichilisce. Pochi secondi che valgono davvero un Oscar.

L’esplosivo piano di Bazil (J-P. Jeunet, Francia, 2009), 21.00, DT

Sesto film di Jeunet, Micmacs à tire-ligots (i ‘micmacs’ sono gli imbrogli, gli inganni, i raggiri, gli intrallazzi. Però si dice anche ‘quel micmac’ per dire ‘che casino’. ‘A’ tire-ligots’ vuol dire ‘a più non posso’. Bisogna prima di tutto riconoscere che tradurre il titolo era una mission impossible!) – che chiameremo dunque semplicemente Bazil – è il suo ennesimo capolavoro, ed in esso possiamo trovare tutta la sua estetica ed anche la sua etica. Attenzione, però, perché in questo caso la percezione rischia di essere più difficile. Qui infatti Jeunet non scrive una ‘poesia’, come in Amélie, non racconta una favola, come nella Città perduta, e nemmeno una storia ‘vera’, come in Una lunga domenica. In Bazil, egli mette in scena una storia che si spinge al limite e perfino oltre il limite del cartoon, incrociando per strada le comiche chapliniane, le tristi follie keatoniane e le ilari bizzarrie di Tati (e tanti, tanti altri ancora: il film è una vera festa di citazioni, di omaggi e di rimandi), per giungere tuttavia ad una creazione intimamente e profondamente ricca di significati, di ‘morale’ e di ‘messaggi’, che è forse – verrebbe da dire – la sua opera più colta e raffinata. Come nei suoi precedenti film, ma mai come in questo, anche stavolta l’eroe di Jeunet è uno ‘sfigato’. Il piccolo Bazil all’età di sette anni perde il padre, artificiere dell’esercito in Marocco, ucciso da una mina che sta disinnescando. Per il dolore la madre impazzisce e lui, solo al mondo, viene rinchiuso in orfanotrofio. Divenuto adulto si guadagna da vivere gestendo un triste e solitario videonoleggio, ma una sera la sorte si accanisce nuovamente su di lui. Durante un regolamento di conti di malviventi, nella strada antistante, un proiettile vagante lo colpisce alla fronte. Il destino di Bazil è ora comunque affidato al caso: non verrà operato, perché ciò molto probabilmente lo ucciderebbe, ma così com’è può morire in qualsiasi momento, all’improvviso. Quando esce dall’ospedale, non ha più niente: sparite tutte le sue cose, affidato ad altri l’appartamentino, perso il lavoro. Bazil va per la strada, a far parte della schiera bizzarra dei barboni, dei mimi e dei giocolieri, e proprio lì conosce la sua nuova famiglia. Sono sette buffi ‘rigattieri’ (Sette Nani?), che hanno costruito la loro tana sotto un immenso cumulo di rifiuti. Là, in quel luogo che dovrebbe essere ripugnante e che invece appare come una grotta delle meraviglie, essi vivono riciclando ciò che i ‘ricchi’ buttano via, e costruendo con esso oggetti eccezionali o fantastici e poetici. Loro stessi non sono tipi qualunque, ma individui per vari aspetti speciali. Sono anche loro ‘rifiuti’, ma della società, di una società talmente stupida e assurda che, come spreca con suicida indifferenza beni, oggetti e ricchezze, così ‘butta via’ anche persone come loro: poeti, artisti, geni. Soprattutto, sono profondamente amici e solidali, e quando Bazil, incredibilmente, scopre i responsabili della fabbricazione della mina che ha ucciso suo padre e del proiettile che ha ferito lui, abbracciano la sua causa. Lo aiuteranno a vendicarsi. Ma attenzione: i cattivi, i violenti, quelli senza cuore, sono ‘gli altri’. Loro sono i buoni, e dunque la loro vendetta sarà speciale: senza morti, senza sangue, senza violenze. Sarà semplicemente il trionfo della verità sulla menzogna, e della bontà sulla malvagità. A missione compiuta, il mondo sarà più giusto, e Bazil, oltre ad una famiglia, avrà trovato anche l’amore. Il Bene trionfa dunque sul Male, in questo film anarchico e poetico, effervescente e di incredibile creatività, che sotto una veste bizzarra e clownesca nasconde – anzi esplicita – un intensa morale ed anche una precisa visione sociale. I Cattivi sono dunque ‘gli altri’: e non solo perché fabbricano ordigni di morte, o perché col dolore degli altri si arricchiscono smisuratamente. Prima di tutto – o forse conseguentemente – sono cattivi dentro: si osservi la casa dell’uno, gelida e asettica come una sala operatoria, o le perverse collezioni dell’altro. Freddi manovratori di macchine di morte, i due sono sideralmente lontani dalla vitalistica spontaneità, dall’intima onestà, dall’ingenua saggezza e dalla profonda moralità dei Buoni. Grazie a queste loro virtù, grazie – paradossalmente – proprio alla loro francescana follia, questi ultimi riescono – Jeunet, il genio, riesce – a scatenare e vincere la guerra contro la società industriale (della morte e dello spreco) e a testimoniare che, forse un altro mondo, certo un’altra etica, sono possibili. Jeunet scrive una commedia nera ma lieve e lunare col linguaggio e gli strumenti di un surrealista, giungendo a risultati di una perfezione calligrafica mai raggiunti prima nelle sue opere. Naturalmente, lo servono una scenografia geniale, una fotografia ‘da favola’, seppia e saturata, un cast semplicemente perfetto. Assolutissimamente imperdibile.

Lunedì 26 dicembre

C’eravamo tanto amati (E. Scola, Italia, 1974), 21.05, Rai3

Questo è, secondo me, il più bel film di Scola. Certo, ce ne sono altri più ‘eleganti’ e raffinati, architettonicamente più armoniosi e coerenti: lo splendido Una giornata particolare, o il bellissimo e dolcissimo La famiglia, ma nessuno, forse, ha la stessa profonda umanità, la stessa vivacità narrativa, la stessa sincera ‘verità’ di CTA. Nelle vicende dei tre ex partigiani, non c’è solo, essenziale, la storia d’Italia degli anni ’50 e ’60: c’è anche, autentica e semplice, la ‘storia’ di tutti noi, delle nostre ipocrisie, dei nostri compromessi e dei nostri valori quotidiani. In CTA, Scola racconta il suo affetto per la gente, e per il suo paese, racconta gli errori, le cattiverie, ed anche i ‘beaux gestes’, ma racconta soprattutto il semplice ‘eroismo’ di ogni giorno, di chi non si fa troppe domande e ‘tira avanti’ costruendo faticosamente ma ‘con giustizia’ l’esistenza sua e della società che lo circonda. Sono rari, nel cinema e fuori, simili atti d’amore per la gente comune. Narrativamente ‘semplice’ e discorsivo, il film si impenna in quel magico finale ‘metafisico’, quasi un richiamo ultimo e sobrio alla meditazione ed alla riflessione. Che dire degli attori? CTA dimostra ancora una volta che non esistono cattivi attori ma solo cattivi registi. O meglio: che esistono sì attori ‘mediocri’, ma che anch’essi, tra le mani di un artista autentico, riescono ad esprimere il meglio di se stessi, ad essere, per lo meno, utili strumenti artistici. Questo vale per Nino Manfredi – abitualmente ‘cantore’ della vocazione tutta italiota alla volgarità plebea – e che invece qui dà vita ad una ‘autentica’ figura di proletario; per Stefania Sandrelli, il cui unico contributo al cinema italiana sono state le esibizioni di tette e culo, e che qui viene abilissimamente utilizzata per creare il personaggio di una creatura sciocca (che è quel che è) ma non cattiva; e per Stefano Satta Flores, ottimo attore, invece, ma ‘minore’, che di rado è stato valorizzato come in questo film. Ho lasciato per ultimi Vittorio Gassman e Aldo Fabrizi. Il primo perché, lo confesso, nei suoi confronti non riesco ad essere obiettivo: l’ho amato come pochissimi altri attori nella mia vita, e qui egli dà l’ennesima prova della sua immensa sapienza artistica. Il secondo perché qui ha dimostrato ancora una volta – vecchio e malato, a pochi anni dalla morte – quale grandissimo e sensibile attore fosse, nonostante pochissimi registi se ne fossero resi conto (occorre ricordare la sua sublime interpretazione del prete in Roma città aperta?), e fosse invece sempre stato utilizzato per particine al limite del farsesco e del caricaturale. Permettetemi di concludere con una cattiveria: se i giovani artisti del cinema contemporaneo italiano – Pieraccioni, Muccino ed altri, ed anche l’Archibugi – se li riguardassero, ogni tanto questi ‘vecchi film, forse ci risparmierebbero le loro insopportabili masturbazioncelle psicoesistenziali, e il cinema italiano recupererebbe quei contenuti alti che ha avuto e può ancora avere.

Il dottor Zivago (D. Lean, USA, 1965), 15.00, Rete4

Ora che non serve più come film di propaganda antisovietica, si può dire che è solo una melensa e noiosissima palla?

West side story (R. Wise/J. Robbins, USA, 1961), 18.25, Sky

La vicenda di Romeo e Giulietta ambientata nei quartieri popolari di New York, e ‘aggiornata’ ai problemi moderni del razzismo e dell’emarginazione. Ebbe dieci Oscar, e se li merita tutti: per le splendide coreografie di Robbins – spesso girate nelle vere strade della città – per le bellissime e struggenti canzoni di Bernstein, per il miglior film. Che difatti è ancor oggi godibilissimo ed emozionante.

Martedì 27 dicembre

A letto con il nemico (J. Ruben, USA, 1991), 23.30, Canale5

Onestamente, non è un gran film, e la partecipazione di Julia Roberts – tanto inadatta alle parti drammatiche quanto desolante in quelle comiche – non lo rende certo più appetibile. Tuttavia, merita di essere visto per il tema – la violenza domestica sulle donne – e perché magari può far venir voglia di leggere il bel romanzo di Nancy Price da cui è tratto (Io ti lascerò, Rizzoli, 1989). Una donna timida e insicura crede di aver trovato l’uomo della sua vita, ma dopo il matrimonio questi si rivela uno psicopatico violento, che la picchia e la schiavizza psicologicamente. Per sfuggirgli, deve lottare prima di tutto contro le sue personali debolezze, ma non sarà sufficiente, perché il marito la cercherà e la troverà, fino alla tragica ma liberatoria conclusione. Un’occasione interessante per riflettere.

Come eravamo (S. Pollack, USA, 1973), 21.00, Sky

Vent’anni di storia sentimentale, politica e culturale di una coppia di sinistra americana, dagli anni Trenta ai Cinquanta. Robert Redford fa, tanto più qui, il clone di John Kennedy (e già ci piaceva poco l’originale), Barbra (chissà perché non ‘Barbara’ …) Streisand fa la radical chic coi milioni in banca. Irritanti entrambi, in un film, oltretutto, irrimediabilmente datato.

Mercoledì 28 dicembre

Syriana (S. Gaghan, USA, 2006), 19.00, DT

Se volevamo capire “di che lacrime grondi e di che sangue” il nostro benessere, da quale abisso di violenza e di corruzione provengano la benzina con cui facciamo funzionare i nostri stupidissimi Suv o il gas con cui surriscaldiamo le nostre case; se, al di là dei rutti mentali di Roberto “Grunt” Calderoli, desideravamo studiare le ragioni profonde, l’humus da cui trae origine il terrorismo islamico, bastava prendersi una raccolta di giornali, o un testo di storia contemporanea, e andare a ripassarsi, per chi non la conoscesse già, qual è stata la ‘politica estera’ – chiamiamola così – di Stati Uniti ed Europa nel Medio Oriente dalla fine della guerra ad oggi. Sarebbe stato sufficiente, e soprattutto ne avremmo ricavato una visione organica, logica e chiara: quello che, invece, è praticamente impossibile tirar fuori da questo film farraginoso, schizzato, complicato invece di essere complesso, e soprattutto privo di qualsiasi pathos. Un film che molto spesso non sembra nemmeno un film, quanto piuttosto un collage di spezzoni documentari della CNN; un film che, con buona pace dell’esilissimo filo conduttore costituito dai personaggi di Clooney e Damon, si ha spesso l’impressione che potrebbe essere rimontato all’incontrario, il secondo tempo prima del primo, o in modalità random, ché tanto non se ne accorgerebbe nessuno; un film che non è nemmeno noioso, tanto è assente qualsiasi struttura ‘narrativa’ su cui esercitare la nostra attenzione. A parte l’interpretazione davvero loffia di Clooney, imbambolato dall’inizio alla fine nella stessa inespressiva espressione, è difficile persino parlar male (o bene?) degli attori, tale è la velocità con cui ci passano davanti agli occhi, ché quasi è impossibile riconoscerli. Come pure, appunto, è praticamente impossibile ‘farsi un’idea’ della situazione dalla mole di informazioni che il film propone, e che ci vengono sparate addosso a ritmi folli, senza che si abbia il tempo di effettuare nessi o riflessioni. Semplicemente un brutto film, mal raccontato, malissimo scritto, sul quale si spera che scenda presto un giusto silenzio.

Giovedì 29 dicembre

Marie Antoinette (S. Coppola, USA, 2006), 23.20, Canale5

Di Lost in translation, l’ultimo film di Sofia Coppola, si era detto: uno dei pochi film per i quali si spenderebbe volentieri la parola ‘perfetto’. E per questa M.A., che parola andremo a cercare? Opera d’arte? Bisogna parlare a mente fredda, di questo film, lasciarlo decantare, filtrare, riposare nella mente, tanto abbagliante è l’impressione che ci lascia nella mente e negli occhi dopo la visione. Il tema è noto: la vita di Maria Antonietta d’Austria, da quando viene data in moglie a Luigi XVI sino alla fuga da Versailles, incalzata dai sanculotti. Non è la ‘regina’, l’aristocratica fredda e lontana di tanta pubblicistica denigratoria, quella che la Coppola ci racconta. E’ un’adolescente, semplice, affettuosa, gentile, in cui il ricchissimo contenuto umano non viene affatto distrutto dal ruolo pesante cui è stata costretta. Maria Antonietta vuole vivere, e passa da un ballo in maschera ad una gioiosa festa di compleanno, dai fuochi d’artificio ad un’alba sui laghetti di Versailles, ad aspettare il sole. Intimamente gioioso è anche lo stile con cui la Coppola scrive e racconta. Gli splendidi vestiti, i dolciumi fantastici, le scarpe, i salottini fastosi ed eleganti, non sono descritti come gli odiosi privilegi di una sciocca aristocratica, ma come la stanza dei balocchi di una giovane donna, forse ancora un po’ bambina, che ama la vita, e che addirittura ambisce ad un ritorno a quello ‘stato di natura’ di cui legge nelle pagine di Rousseau, e che tenta di ricreare nel villaggio contadino che si fa costruire a poca distanza dalle reggia. Un tocco di levità, anche esistenziale, attraversa mirabilmente tutto il film, dalla bellissima colonna sonora punk e romantica al paio di AllStars fucsia che si intravedono tra le scarpe della regina, uno scherzo, evidentemente, della durata di un istante, con cui la regista pare volerci dire: ‘Vedete, è come una di noi’. Tuttavia Maria Antonietta ‘cresce’, in questi anni a Versailles, e, se è l’iniziale indifferenza del marito a gettarla per un attimo tra le braccia del Conte Fersen, tuttavia è proprio con quel marito, e suo re, che essa decide di rimanere, quando la folla inferocita assedia il palazzo e minaccia di ucciderla, quando i colori delicati, le luminosità, i suoni argentini si spengono, per lasciar posto a stanze cupe, e a dissonanze di morte. E’ davvero bizzarro come – ci avrà pensato la Coppola, scrivendolo? – il suo solenne inchino di fronte al popolo infuriato ricordi in modo impressionante quello che, nel meraviglioso Mondo nuovo di Ettore Scola (1982), Hanna Schygulla, dama di compagnia della regina, tributa agli abiti del re, appena arrestato a Varennes: paradossalmente entrambi, gli abiti e il popolo, simboli di una regalità che è superiore alla contingenza ed agli eventi. Un’immensa pietà ci coglie, ogni volta che il cinema – oltre a Scola, i magnifici Che la festa cominci di Bernard Tavernier (1975) e La nobildonna e il duca di Eric Rohmer (2001), per esempio – ci racconta il declino di questa classe che della joie de vivre aveva fatto un arte raffinatissima, e che non si rende conto di star danzando sull’orlo dell’abisso: verranno presto spazzati via da una rivoluzione di bottegai che manderanno avanti, a combattere al loro posto, folle insipienti e probabilmente non poi così affamate, e la loro eleganza verrà sostituita dalla boria volgare dell’arricchito. Kirsten Dunst, che il film vuole protagonista assoluta, lo è anche nella strepitosa gamma di emozioni e sentimenti che esprime, da donna e da attrice adulta, incredibilmente matura. La fotografia è cristallina e riflessiva, e Versailles – in cui la Coppola ha per la prima volta potuto girare – offre tutta la sua perfetta bellezza. Assolutissimamente imperdibile.

La ragazza delle balene (N. Caro, N.Z./Germania, 2002), 14.05, DT

Secondo le leggende del popolo Maori, Paikea, il primo antenato, raggiunse la Nuova Zelanda cavalcando una balena. Nella Nuova Zelanda dei nostri giorni, nasce una bambina a cui il padre – uno scultore, che riproduce l’arte e i miti del suo popolo – impone proprio il nome di quell’antenato. Il suo gemello, però, muore assieme alla madre durante il parto, e ciò causa un profondo dolore nel nonno, Koro, che in quel bambino maschio vedeva il ‘predestinato’, che avrebbe dovuto riportare i Maori all’antica gloria. Koro non riesce ad accettare la femmina, che vede come un ‘errore’ degli Dei, e respinge con durezza tutti i suoi tentativi di apprendere le tradizioni Maori, per ‘sostituire’ quel fratello nel suo cuore e nei destini del suo popolo. A prezzo di dolore e umiliazioni, con dolcezza ma con determinazione, Paikea riesce ad assumere il ruolo che il nonno aveva assegnato al fratello, e, cavalcando alfine proprio una balena, dimostra di essere degna erede delle tradizioni Maori. Non è la prima volta che i Maori ci narrano, con ottimi film, le sofferenze del loro popolo: certo tutti ricordiamo il bellissimo Once were warriors (1994), che narrava la terribile decadenza dei Maori forzatamente inurbati e costretti a vivere la vita corrotta e violenta dei loro dominatori bianchi. Qui è il loro strettissimo ed ancora attuale legame col mito, che ci viene raccontato e la loro intima unione con la natura e con gli animali (la balena è, evidentemente, non solo la fonte del mito, ma anche l’animale totemico), tipici di tutti quei popoli che noi Europei, nella nostra presunzione ed arroganza, spesso genocida, ci ostiniamo a definire ‘primitivi’. Nello stesso ambito, sarebbe davvero sciocco e meschinamente riduttivo definire ‘maschilista’ la cultura ed il comportamento di Koro. ‘Maschilista’ e ‘femminista’ sono concetti di una cultura occidentale alla quale questa, come altre culture ‘primitive’, sono totalmente estranee: apprezziamole per quello che sono, ed evitiamo di frapporre tra noi e loro lenti deformanti che non appartengono loro. Come tutti i film espressioni di culture a noi così lontane – penso, per faresolo unesempio, al bellissimo Zatoichi – anche questo ci lascia in parte insoddisfatti. Non per la qualità del lavoro – si tratta di un film semplice, ma intenso e magico, ed ottimamente recitato: bravissimi il nonno e soprattutto la bambina – ma perché ci rendiamo conto di quanto poco sappiamo di loro. Grazie a Whale rider colmiamo, solo molto parzialmente, un vuoto che è non solo estetico, ma anche antropologico.

Va’ dove ti porta il cuore (C. Comencini, Italia/Francia/Germania, 1996), 15.15, DT

Se il mondo avrebbe serenamente potuto fare a meno del romanzo della Tamaro (‘Susanna Luamaro’, l’hanno ribattezzata in Veneto, e il libro “Va’ dove ti porta il c***”), appartenente a quella branca di pseudoletteratura che in Germania viene etichettata come Trivialliteratur), ancor più sarebbe felicemente sopravvissuto senza il film che ne ha tratto la Comencini, nota esperta nella realizzazione di segoline sentimentali. Oltre ogni limite.

Venerdì 30 dicembre

V per Vendetta (J. Mc Teigue, USA/Germania, 2005), 18.55, DT

Inghilterra, 1605. Guy Fawkes, un gentiluomo inglese convertitosi al cattolicesimo, progetta di far saltare in aria il Parlamento il giorno dell’apertura, il 5 novembre, per uccidere re Giacomo I° Stuart, nemico e persecutore dei cattolici. Scava una galleria sotto l’edificio, e la riempie con trentasei barili di polvere, ma all’ultimo momento lui e gli altri congiurati vengono scoperti: quelli che non vengono uccisi subito vengono imprigionati e torturati atrocemente, e moriranno alcuni mesi dopo sul patibolo. E’ la famosa Congiura delle Polveri. Londra, ai giorni nostri, in un futuro prossimo. Un Partito politico di ispirazione totalitaria e razzista, omofobo ed islamofobo, diffonde artatamente per l’Inghilterra un terribile virus, che provoca centinaia di migliaia di vittime. Sfruttando il caos e il terrore che questo fatto provoca, il Partito prende il potere, instaurando un regime parafascista. L’informazione è sottoposta a rigida censura, sostituita da una rozza demagogia, qualsiasi libertà è conculcata, e gli scherani del partito costituiscono un’élite che imperversa per il paese, violentando e taglieggiando. Improvvisamente, un anno prima dell’anniversario della Congiura, appare in città uno strano personaggio. E’ vestito alla moda del Seicento, con cappello e mantello, e nasconde il volto sotto una maschera che riproduce le fattezze di Fawkes. Esordisce facendo saltare per aria, in un tripudio di fuochi d’artificio colorati, l’Old Bailey, mentre dagli altoparlanti, che abitualmente trasmettono i deliranti proclami del Gran Cancelliere, il Dittatore, egli diffonde la trionfale Ouverture 1812 di P.I. Chaikowsky, che il grande musicista russo compose per celebrare la resistenza del suo popolo contro Napoleone. Seguono altre azioni di sabotaggio del sistema, ed una promessa, da parte del Vendicatore: di lì ad un anno, il giorno dell’anniversario della Congiura, egli compirà l’opera dell’antico cospiratore, facendo saltare in aria il Parlamento, e centinaia di migliaia di inglesi come lui scenderanno in piazza, per opporsi alla dittatura e restaurare la libertà. Anche a costo, come fu per Guy Fawkes, della propria vita. Interrompo qui il racconto delle vicende di V, dei suoi segreti, dei suoi amori, della sua lotta. Lascio agli spettatori il piacere e l’emozione di scoprirli sullo schermo, in questo, che è uno dei film più belli, colti ed appassionanti degli ultimi vent’anni, ed anche, nonostante le sue caratteristiche fantastiche, uno dei più reali ed umani. Difficile davvero dire cosa emozioni e commuova di più, in questo capolavoro. La recitazione? Hugo Weaving è grande anche a volto coperto. Recita col corpo, coi movimenti del capo, coi giochi di luci ed ombre sulla maschera. Natalie Portman è intensa e ‘dolorosa’, quasi una vittima sacrificale che impersona e porta su di sé le sofferenze di tutto un popolo. Dolce e umanissimo John Hurt, il suo amico omosessuale. Ed è impossibile negare una menzione al raffinato e sensibilissimo doppiaggio di Gabriele Lavia. La fotografia: cupa e minacciosa, notturna e misteriosa, che rappresenta la notte dell’anima e dello spirito che avvolge l’Inghilterra. E poi, i numerosi e densi riferimenti culturali. Pare impossibile – ma una ragione pur ci sarà – se ogni regista o scrittore che abbia voluto tratteggiare un fascismo futuro lo abbia immaginato odiatore, oltre che della libertà, anche della bellezza e della cultura. Così è in 1984 di J. Orwell, uno dei padri evidenti di questa storia, ma soprattutto così è in uno dei film più belli ed importanti del Novecento, Fahrenheit 451, di F. Truffaut. Vedendo la galleria d’arte di V, e quelle sterminate pareti di libri, e l’amore trepido con cui John Hurt custodisce la sua antica copia miniata del Corano, è impossibile non richiamare alla memoria i roghi dei libri di quel capolavoro, e l’affetto con cui, contro quella dittatura, i libri venivano amati e protetti, fino ad immolarsi per loro. E non dimentichiamo, tra gli illustri padri di V, il grande feuilleton ottocentesco, con lo stereotipo dell’eroe tenebroso, del giustiziere misterioso ed eroico. Un ultima notazione per i dialoghi, davvero ‘teatrali’ nel senso più colto e nobile del termine: del resto, spessissimo, nonostante le scene d’azione o quelle in esterni, è davvero forte l’impressione di essere a teatro, ad assistere a un dramma shakespeariano. Inno alla libertà e alla dignità umana, anarchico ed eversivo ma ancor più umanissimo e vero, film denso di emozioni e significati, V per Vendetta è un raro capolavoro, che rimane nella mente, nel cuore e negli occhi. Un film da ricordare

Remember remember the Fifth of November,

the gunpowder treason and plot.

I know of no reason why the gunpowder treason

should ever be forgot.